Au même titre que celle de Picasso, l'oeuvre de Joan Miró, par sa liberté créatrice et son iconoclasme latent, occupe au XXe siècle une place inédite qui lui confère la stature du mythe et l'élève au rang de l'universalité.
Ancrée dans la terre catalane de son enfance, elle voit le jour dans les années 1910 avec les peintures dites « détaillistes » de Montroig, scènes réalistes et paysannes qui retiennent la leçon de l'art naïf et du cubisme naissant.
Miró connaît la consécration au milieu des années 1920 avec ses « peintures de rêve » dont la magie poétique séduit les surréalistes tels que Robert Desnos et Michel Leiris. Posant un regard tantôt émerveillé, tantôt plus sombre sur le monde qui l'entoure, Miró donne progressivement corps à ce que son biographe, le poète Jacques Dupin a élégamment quali²é de « Mirómonde ».
À partir de 1954, l'installation à Palma de Majorque marque un nouveau tournant dans l'oeuvre de Miró. Dans cette période de créativité intense, sa peinture se métamorphose, devient de plus en plus gestuelle, directe et n'est pas sans évoquer les «¨Peintures sauvages» nées dans les années 1930 dans le contexte de la montée du nazisme.
Portant sur un ensemble de près de 90 oeuvres réalisées dans les années 1960-1970, la dernière période de création de l'artiste est particulièrement bien représentée dans les collections du Musée national d'art moderne/Centre Pompidou. Lire la suite Fermer

Philippe Cognée est un peintre, graveur et dessinateur né à Nantes en 1957. Actif sur la scène artistique depuis les années 1980, il s'inscrit dans le mouvement de retour à la peinture. L'artiste est connu pour sa pratique de la peinture à la cire, dont il détourne l'usage traditionnel. Il projette sur la toile les motifs photographiés ou filmés et les peint sur le support avec de la peinture à l'encaustique. Par la suite, il recouvre la toile d'un film plastique et utilise un fer à repasser afin de liquéfier la cire. Les motifs commencent ainsi à se déformer sous la chaleur, créant un effet de flou et de profondeur. Cette technique permet à Cognée de dissoudre des éléments représentés, brouillant souvent la frontière entre peinture figurative et abstraction.Paysages urbains, vues de supermarchés ou d'abattoirs, clichés de Google Street View - le peintre trouve son inspiration dans ce qui l'entoure. Tout en puisant dans le quotidien, Cognée crée, grâce à sa technique atypique, des oeuvres originales dans lesquelles, à travers la déformation du réel, il montre une vision poétique du monde. Lire la suite Fermer

Artiste américain, né à Lexington en 1928 et mort à Rome en 2011, Cy Twombly commence ses études artistiques au moment où s'impose l'expressionnisme abstrait de l'École de New York. Dès ses débuts, Twombly s'affirme par un style d'une grande liberté, mêlant à une expression graphique où le geste prime, l'inscription de signes tels que des lettres, des chiffres, des figures ou encore sa propre signature... L'ensemble apparaît avec ses salissures, ses taches, ses traînées de couleur, comme de sublimes gribouillis, tendus et sensuels, qui ne manquent pas de dérouter la critique. À partir de 1957, il s'installe à Rome, désireux de s'imprégner de cette culture antique qui le fascine tant. Elle va peu à peu infuser son oeuvre et se manifester à travers des bribes de phrases ou des noms propres, « invoquant plutôt qu'évoquant » la mythologie gréco-latine et des auteurs antiques ou pré-romantiques. Son trait, au tremblé inimitable et aux divagations extatiques, semble défier le temps et l'histoire et unir en un seul geste les formes les plus archaïques à celles de la modernité. Loin de tout formalisme, son oeuvre se fait l'intime traduction des mouvements de l'âme face à ce qui la dépasse en un langage poignant et énigmatique où le corps, sur un mode éminemment sensuel, confère en permanence son énergie vitale. Lire la suite Fermer

Réfugié à Paris après avoir quitté l'Allemagne en décembre 1933, alors que les nazis viennent de fermer l'école du Bauhaus où il enseignait depuis 1922, Kandinsky s'installe avec son épouse Nina dans un appartement à Neuilly-sur-Seine. C'est là qu'il développe un style original, synthèse du vocabulaire géométrique des années du Bauhaus et des tracés aléatoires et ondulants de la décennie précédente. Par ailleurs, sous l'influence de ses lectures d'ouvrages scientifiques sur l'évolution de la vie, tout un répertoire de motifs biomorphes vient peupler ses compositions et confère à ce dernier style une saveur particulière.

Cette période de l'artiste, la moins connue du grand public, riche de ses échanges avec les milieux artistiques parisiens, de son intérêt accru pour les sciences et d'une spiritualité plus vive, fut peu à peu marquée par un sentiment d'exil, un exil intérieur habité de réminiscences à la fois artistiques et autobiographiques, qui eut une influence profonde sur son art.
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Avec pour fil rouge le lien entre la couleur et la lumière, cet ouvrage offre un regard sur l'ensemble du parcours de Pierre Bonnard, de sa période nabie à ses tableaux des années 1920 et 1930 où son style s'affirme pleinement, jusqu'aux chefs-d'oeuvre de la fin de sa vie. Les différents thèmes abordés permettent d'explorer les lieux qui l'inspirent - Paris, la Normandie, la Méditerranée - et ses sujets de prédilection : les intérieurs avec personnages, les nus, les paysages, les natures mortes, avec une attention toute particulière portée à la lumière, naturelle ou artificielle, qui était l'essence même de sa peinture.
Traversé par une douce mélancolie à laquelle l'âge donne peu à peu une plus grande gravité, l'art de Bonnard demeure avant tout une ode à la beauté du monde et à celle du corps féminin.
C'est aussi l'une des rares oeuvres du XXe siècle à offrir autant de bonheur à ceux qui la découvrent. Lire la suite Fermer

VALERIO ADAMI,GIOVANNI ANSELMO, ALIGHIERO E BOETTI,MANFREDO BORSI, ENRICO CASTELLANI, GIORGIO DE CHIRICO, LEONARDO CREMONINI, DADAMAINO,LUCIANO FABRO, LUCIO FANTI, FILLIA, LEONOR FINI, LUCIO FONTANA, JANNIS KOUNELLIS, BERTO LARDERA, ALBERTO MAGNELLI, OSVALDO MEDICI DEL VASCELLO, MARIO MERZ, AMEDEO MODIGLIANI, GIORGIO MORANDI, BRUNO MUNARI, GIULIO PAOLINI, GIUSEPPE PENONE, FILIPPO DE PISIS, MICHELANGELO PISTOLETTO, ENRICO PRAMPOLINI, LUIGI RUSSOLO, MARIO TOZZI, ANTONINO VIRDUZZO, MICHELE ZAZA

La relation de l'homme à la nature apparaît comme un des sujets majeurs du xxie siècle. La prise de conscience écologique à l'échelle planétaire est en train de bouleverser nombre de systèmes de pensée dans des domaines aussi divers que ceux de l'économie, du social, du politique ou du culturel... Cette question du lien entre l'être humain et son environnement n'est pourtant pas nouvelle. Elle se situe même au fondement des origines de l'humanité et surgit dès l'instant où l'homo sapiens commence à conceptualiser ce qui l'entoure. Et sans remonter à ces temps immémoriaux, bien que la faune peinte sur les parois de Lascaux ou de la grotte Chauvet soit riche d'enseignements, l'apparition, à partir du Trecento en Italie puis à la Renaissance, de fragments de nature représentés au second plan de scènes mythologiques ou religieuses marque un changement profond dans la manière de considérer la place de l'homme dans son environnement et, ce faisant, celle qu'il lui assigne.
La présence de la nature dans l'histoire de l'art occidental constitue donc une donnée décisive pour qui veut comprendre le rapport qu'il a entretenu avec elle au fil des siècles. Elle éclaire non seulement les sensibilités de chaque époque, mais aussi les mouvements de fond qui les traversent, et qui ont abouti, durant la révolution industrielle puis à l'orée de la révolution technologique du xxe siècle, à des bouleversements profonds du langage artistique, anticipant ceux qui marquèrent la société.
Pour illustrer ce thème déterminant de la création artistique, l'ouvrage convoque quatre plasticiens, de renommée internationale, pour qui la question du rapport de l'humain à la nature est essentielle?: Philippe Cognée, Cristina Iglesias, Wolfgang Laib et Giuseppe Penone, qui proviennent d'horizons très différents et permettront, grâce à leurs propositions plastiques inédites, d'éclairer sous des aspects résolument originaux et singuliers cette relation. Lire la suite Fermer

" Le rapport entre une construction ancienne et l'introduction du travail et des idées d'un artiste en vie doit reposer sur le respect et constituer un défi " David Tremlett Emblématique des hôtels particuliers " entre cours et jardin " du XVIIe siècle, l'hôtel de Sully - siège du Centre des monuments nationaux - abrite une orangerie qui servait autrefois à abriter les orangers en caisse durant l'hiver.

C'est le rez-de-chaussée de ce bâtiment que le CMN a proposé d'investir à David Tremlett. Formé à la sculpture, l'artiste britannique a développé un art de la rencontre avec le lieu, forgé par ses nombreux voyages à travers le monde. Pour l'orangerie, il conçoit Wall in 27 sections (Mur en 27 section), un dessin mural réalisé au pastel selon une technique qui lui est propre. L'oeuvre se déploie sur toute la longueur du mur principal faisant face à une série de larges fenêtres ; avec toute la subtilité des couleurs et de la matière de ses pigments, David Tremlett dialogue avec l'architecture dans une entente tacite, invitant le jardin dans l'orangerie.

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Connu avant tout pour ses natures mortes dépouillées et énigmatiques, pour son attachement viscéral à sa ville natale, Bologne, et pour sa vie monacale entièrement dédiée à l'exercice de son art, Giorgio Morandi (1890-1964) s'est imposé ces dernières décennies comme un artiste majeur du XXe siècle. C'est à travers le regard de l'un de ses collectionneurs, Luigi Magnani, que cet ouvrage se propose d'aborder de manière intimiste l'univers du maître bolonais grâce à la reproduction de plus de soixante-dix tableaux, gravures et dessins ainsi que de nombreuses photographies de son atelier.

Née en 1887, dans le Wisconsin à Sun Prairie, Georgia O'Keeffe est reconnue, dès les années 1920 aux États-Unis, comme une figure majeure de l'art moderne américain. Longtemps associée à ses fleurs monumentales et suggestives, l'artiste est toutefois restée jusqu'à ce jour en Europe dans l'ombre de son compagnon et mentor, le célèbre photographe et défenseur des avant-gardes, Alfred Stieglitz. Le musée de Grenoble lui consacre sa première exposition en France sous la forme d'un dialogue avec les photographes qui ont contribué à forger son regard : Alfred Stieglitz, Paul Strand, Edward Weston, Imogen Cunningham ainsi qu' Ansel Adams, Eliot Porter et Todd Webb. Cet ouvrage révèle l'univers inédit de cette icône de l'art américain.
Georgia O'Keeffe occupe une place singulière dans le contexte de l'art américain. Ses peintures, reconnaissables entre toutes, se distinguent par leur immédiateté, la sensualité de leurs couleurs et la clarté de motifs qui s'imposent, avec insistance, à la mémoire. La force de ces images, qui viennent questionner le visible, tient au trouble créé par des formes énigmatiques oscillant souvent entre abstraction et figuration. L'artiste se fait connaître, dans les années 1920, par des peintures de fleurs et de buildings au réalisme photographique. Elle assimile alors l'esthétique précisionniste des peintres du cercle de Stieglitz - Arthur Dove, John Marin, Charles Demuth et Marsden Hartley, pour ensuite donner corps à un répertoire formel unique, profondément marqué par sa vie dans le désert du Nouveau Mexique. A partir des années 1960, en communion spirituelle avec son environnement du Sud-Ouest, O'Keeffe peint des compositions abstraites, dont la pureté formelle et la sensualité des tons se font l'écho des travaux de Mark Rothko, Ellsworth Kelly ou Agnes Martin.
Fruit d'une individualité forte, son oeuvre unique puise ses sources dans la nature. Entre abstraction et figuration, son travail se développe en séries selon un parti pris résolument moderniste. Ses compositions naissent avant tout de son observation du monde. Ce sont d'abord les ciels du Texas, les montagnes de Lake George, les buildings de New York et les fleurs. A partir de 1929, l'artiste choisit de passer ses étés à Santa Fe avant de s'installer définitivement au Nouveau-Mexique en 1949. Elle vit alors en communion intime avec la nature, goûtant la solitude des grands espaces, conduisant sa voiture à travers le désert. Cette expérience lui inspire de nouveaux sujets : architecture vernaculaire, canyons, os, ciels et rivières.
O'Keeffe fut fortement influencée par la photographie moderne. Pour en rendre compte, l'exposition fera ainsi dialoguer ses peintures avec les images de ses amis photographes et formera, un ensemble total de 80 oeuvres issu de quinze prestigieux musées américains mais également de grandes institutions allemandes, espagnoles et françaises.
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