Outre Mesure

  • « Ils se prennent le crâne à deux mains et susurrent : Ouh ! J'adore Bessie Smith sans même voir que Bessie Smith est en train de leur chanter : Tiens, voilà mon cul, mon gros cul noir . » (LeRoi Jones, Le Métro fantôme). Rejetés en tant que Noirs, en marge comme musiciens (et doublement exclus comme Noirs et musiciens), blues singers, jazzmen et rappers parlent leur singularité. C'est cette singularité que traque Talkin' That Talk ; son champ d investigation est précisément délimité, qui se propose d'inventorier leur vocabulaire, tel qu'il se révèle dans des productions orales attestées (chants, interviews et biographies enregistrés). Le lexique ainsi collecté couvre quelque 5000 termes ou expressions relevant de l'argot, du jargon spécifiques aux musiciens, aux différentes techniques et pratiques instrumentales, aux conditions et lieux de production de la musique. Il recense également métaphores récurrentes, surnoms, noms de lieux, faits historiques, institutions, marques commerciales, nombres et personnages historiques ou mythiques. À la fois dictionnaire et anthologie avec ses milliers de citations portant la parole noire, Talkin' That Talk est également une encyclopédie qui documente une culture opprimée devenue, incroyable renversement, dominante.

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  • Avec " le Lewis Porter " sur John Coltrane, la bibliographie sur le jazz en langue française s'enrichit d'un titre de référence, unanimement salué outre-Atlantique au moment de sa sortie (1999 aux Presses de l'Université du Michigan). Après L'Improvisation, sa nature et sa pratique dans la musique de Derek Bailey et Free Jazz d'Ekkehard Jost, il s'agit du troisième texte majeur sur le jazz et les musiques improvisées proposé en traduction française originale par la collection Contrepoints. Cette politique éditoriale de traduction répond, dans ces trois cas, à une véritable demande de la part d'un lectorat qui s'élargit depuis plusieurs années en direction des musiciens, étudiants en musicologie ou élèves des écoles de jazz et des conservatoires. Largement attendue par les amateurs comme par les spécialistes, l'édition française de l'ouvrage de Lewis Porter coïncide avec le quarantième anniversaire de la disparition du saxophoniste (1926-1967) couramment identifié comme l'un des derniers maîtres historiques du jazz, voire comme l'ultime dépositaire de sa modernité. Tributaire d'une tradition remontant au Swing puis au Bebop (à travers l'influence de Johnny Hodges puis celle de Charlie Parker), Coltrane n'en est pas moins au coeur du free jazz qu'il a en grande partie inspiré et dont il s'est lui-même nourri en ses dernières années. L'auteur, pianiste et musicologue, enseignant et chercheur (fondateur et responsable du prestigieux Masters Program in Jazz History and Research à la Rutgers Université de Newark) s'est appuyé sur les travaux de ses prédécesseurs, notamment C.O. Simpkins et J.C. Thomas (1975), tout en comblant leurs lacunes par de nouvelles et complètes investigations (archives, presse périodique, témoignages de proches et de musiciens, etc.) et de nombreuses analyses musicales détaillées. Respectant l'imbrication étroite, chez tout musicien de jazz, du vécu personnel et du contexte social, des étapes et rebonds de la carrière et de la production musicale proprement dite, Porter conduit le lecteur vers une compréhension en profondeur des mécanismes de création observables chez Coltrane, musicien intègre, inquiet, hanté par le dépassement de lui-même. Le livre comporte de nombreux exemples musicaux et reproductions de documents ainsi qu'une iconographie, pour l'essentiel inédite jusqu'alors. Il est complété par une chronologie de la carrière de Coltrane, la plus détaillée disponible à ce jour, ainsi que d'éléments indispensables de discographie, bibliographie et index. La traduction de Vincent Cotro, lui-même collègue de l'auteur, musicologue et auteur de nombreux textes sur le jazz, rend justice aux exigences tant littéraires que musicales et techniques qui caractérisent ce livre indispensable.

  • Une plus grande place est donnée à l'utilisation pratique dans ce second volume : ;- Connaître, jouer les introductions, codas ou interludes les plus fameux : 120 transcriptions. ;- Apprendre à transcrire soi-même les enregistrements des musiciens. ;- Exploiter les superstructures des accords, trouver un accompagnement rythmique en fonction d'une mélodie. ; - Savoir comment s'écrit, se lit le jazz. ;- Découvrir l'éventail de traitement sonore de cette musique. ;- Le B-A-BA de l'analyse musicale adaptée au jazz.




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  • L'auteur se penche, dans ce 2e tome, sur la période cruciale des années 40 et 50, s'arrêtant à l'orée de la période contemporaine qui sera l'objet du troisième volet. C'est bien, à travers la batterie et les batteurs, une étude de la naissance et du développement du jazz « moderne » qui est ici proposée. Le propos de l'auteur est moins de transmettre une érudition biographique et musicale - pourtant réelle - que d'amener à une compréhension profonde des mécanismes par lesquels se transmet une tradition vivante et évolutive. L'auteur est particulièrement attentif aux années d'apprentissage et aux influences reçues par les batteurs, d'où un recours abondant à la parole et aux écrits de musiciens. L'attention se porte également sur l'évolution du matériel utilisé, sous l'impulsion le plus souvent des innovations apportées par les batteurs eux-mêmes. MEILLEUR LIVRE DE JAZZ 2000.




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  • Un dictionnaire. ; . des traditions musicales et instruments du monde entier




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  • En quelques années d'existence, La Partition intérieure s'est largement imposée dans les domaines du jazz et des musiques improvisées. Chacun s'y retrouvera, selon ses besoins du moment ; qu'il soit débutant, improvisateur chevronné, enseignant, critique, musicien curieux, esprit ouvert. ; Abondance des matériels, des matières et des manières : Chaque partie approfondit un aspect de l'action (l'improvisation, le son, le rythme, la mélodie, l'harmonie, les formes et la construction du récit, le jeu en orchestre). On y retrouve chaque fois un déroulement progressif : notions de base, pratique habituelle, et enfin démarches plus complexes. ; Passerelles : Plusieurs traditions se mêlent : non seulement le jazz et les musiques improvisées actuelles, mais également les musiques classiques, populaires, contemporaines, extra-occidentales. De nombreux points de vue se croisent sans cesse ; les matières dialoguent avec les manières, l'action avec la réflexion, la technique avec l'expression personnelle, la précision avec l'inspiration. Le lecteur choisira ses manières de cheminer : creuser un sujet, grappiller selon ses envies, rebondir grâce aux multiples chemins de traverse. ; Danse intérieure : L'abondance et les passerelles ne sont là que pour mettre en appétit. Pas question de se substituer à l'essentiel - l'écoute, la mémoire, la sensibilité, la verve intelligente, la fragilité et l'incertitude, la fraîcheur de l'imagination, le plaisir du jeu. La Partition intérieure, en faisant dialoguer action et réflexion, technique et expression, invite le lecteur à élargir ses horizons afin d'éveiller la danse intérieure qui donne vie à toute improvisation.

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  • Jazz mode d'emploi (fruit de 20 ans de recherches et de 10 ans de professorat) est une « petite encyclopédie des données techniques de base » destinée à tous les instrumentistes et enseignants. Ce n'est pas une méthode, mais un catalogue faisant la synthèse des données techniques de base qui apporte un éclairage nouveau. Ce recueil contient des informations jamais encore traitées dans aucun autre ouvrage. Pas à pas, le lecteur apprend à cerner l'essence du « thème de jazz », à en comprendre structures et langage, éclairé par l'abondance des exemples.




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  • Bases - Les matériaux essentiels de la musique (jazz et musiques apparentées, musique classique et rock). Des mots - Un dictionnaire encyclopédique - 30 entrées contenant des nombreuses définitions et illustrations musicales à propos d'une idée centrale - Un parcours souple (ordre alphabétique, renvois, double index : mots et signes de notation) conçu pour acquérir les différentes notions de manière logique et progressive. Aux sons - Notation musicale - Rythme : durée, mesure, tempo, figures rythmiques - Mélodie et harmonie : hauteur, intervalles, mélodie, gammes, accords, harmonie tonale, modale et blues, construction d'une mélodie sur des accords - Architecture et jeu collectif : formes, construction d'un discours, accompagnement, jeu en orchestre, improvisation - Modalités expressives : dynamiques, expression, phrasés, articulations, inflexions - Instruments : caractéristiques et notation - Audio : acoustique, son, studio, informatique, Internet.




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  • L'ouvrage de Derek Bailey concerne l'ensemble des pratiques musicales, bien au-delà de tel idiome ou de tel style. L'objectif premier de l'auteur est de mettre en évidence la présence de l'improvisation dans les domaines les plus variés de l'histoire et de l'expression musicales (musiques indienne, flamenco, baroque, d'orgue, rock, jazz, contemporaine, improvisation libre). L'auteur s'est appuyé sur les témoignages de nombreux improvisateurs, pratiquant leur art dans des contextes les plus divers. C'est au terme de ce tour d'horizon qu'il se tourne plus précisément vers sa propre expérience, l'improvisation libre ou « totale », lieu de tous les possibles. À l'opposé du manuel ou du traité, ce livre nous invite à examiner les questions soulevées par l'improvisation et plus généralement par la pratique de la musique : technique instrumentale, rapports avec le public, composition, enregistrement, pédagogie, notion de groupe.




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  • Chants libres est le fruit d'une longue recherche historique et musicologique permettant de mieux comprendre les mutations survenues dans le jazz et la musique improvisée en France durant les quarante dernières années. Le contexte socio-historique européen permet de cerner le désir profond de toute une génération de musiciens de s'affranchir de la tutelle du jazz noir. Jef Gilson, Jean-Louis Chautemps ou François Tusques sont parmi les premiers à tenter l'aventure libertaire qui culminera, non sans excès ni impasses, au tournant des années 1970. Ce sera alors l'éclosion des collectifs (Dharma, Perception, Cohelmec.) et avec eux la recherche d'une affirmation plus structurée de la liberté. L'ouvrage s'appuie sur une documentation importante et met en avant la parole des musiciens, à l'époque du free jazz comme aujourd'hui, grâce à de nombreux entretiens. L'étude musicale prend en compte les disques publiés ou, dans certains cas, les archives sonores et s'efforce de situer chaque production dans son contexte.




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  • Après avoir parcouru les premiers âges de la batterie jusqu'en son classicisme (Tome I - Des origines aux années Swing) puis analysé la contribution des batteurs à l'aventure tumultueuse de la modernité (Tome II - Les années Bebop : la voie royale et les chemins de traverse), Georges Paczynski consacre le dernier volet de sa trilogie aux pères de la batterie contemporaine que sont Elvin Jones, Tony Williams et Jack DeJohnette. C'est là le parti pris audacieux assumé par l'auteur : au survol de la multitude d'excellents batteurs ayant accompagné les évolutions complexes du jazz depuis 1960, Paczynski a préféré l'analyse détaillée du parcours et de l'oeuvre de ces trois artistes majeurs, sans lesquels cette évolution ne saurait se comprendre ni s'entendre. En effet, aucun batteur d'importance apparu durant les dernières décennies n'a pu totalement échapper à leur influence. Cela est dû, certes, à leurs apports individuels et techniques, mais plus encore à leur position centrale aux côtés des maîtres du jazz dont ils ont accompagné, voire suscité les innovations. Elvin Jones a habité avec passion et luxuriance le quartette légendaire de Coltrane ; la décontraction de son geste et sa maîtrise du son furent sans égales, de l'accompagnement attentif aux échappées les plus chaotiques. Incarnation de la précision rythmique absolue, Tony Williams fut le partenaire incontournable des nouvelles conceptions de Miles Davis de 1963 à 1969 avant d'inspirer tous les batteurs du jazz-rock. Jack DeJohnette enfin, également pianiste et leader, représente bien plus dans l'histoire de la batterie de jazz qu'une synthèse réussie de l'art de ses prédécesseurs. Clef de voûte du magistral trio de Keith Jarrett, ce batteur polyvalent dont « les pieds sont pensés comme des mains supplémentaires » a croisé la route des musiciens majeurs du jazz depuis les années 1960. L'histoire de ces trois géants de la batterie dont la modernité s'appuie sur une tradition séculaire renvoie le lecteur aux maîtres de la batterie abordés dans les volumes précédents, de Baby Dodds à Roy Haynes, et rencontre la trajectoire de batteurs contemporains incontournables - Paul Motian, Sunny Murray, Peter Erskine sont de ceux-là. Fidèle à la démarche et à la position affirmées dès le début de son monumental ouvrage, le batteur-écrivain Georges Paczynski appuie ses recherches et son érudition sur sa propre expérience musicale. Plus encore, il renvoie passionnément et sans relâche le lecteur à l'écoute indispensable des enregistrements les plus marquants, au moyen de nombreuses transcriptions, analyses et commentaires.




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  • Sous l'éclairage d'une chronologie qui donne tout son relief à cette musique, l'auteur nous propose (une première en France) une chronique des moments majeurs du jazz, des principaux événements liés à son expression, de ses chemins de traverse, de ses plus importants acteurs ou représentants. ; Cette traversée du jazz jusqu'en l'an 2000 remonte aux premiers esclaves déportés sur le sol américain, restitue l'univers socioculturel riche, foisonnant (et éprouvant pour les Noirs américains) de ses protagonistes, avec, en filigrane, un aperçu historique du développement de l'Amérique du Nord. Chaque décennie est précédée d'un texte introductif qui présente deux pages de synthèse et de mise en perspective de la période concernée. Les principaux enregistrements historiques, les meilleurs spectacles (à la scène comme à l'écran), les ouvrages essentiels, les plus célèbres standards du jazz, tout cela - et bien d'autres choses encore - est répertorié dans des rubriques facilement repérables. Par ailleurs, douze thématiques (Le jazz et les trains, Jazz et photographie, etc.) viennent s'intercaler tout au long de l'ouvrage. ; L'ouvrage est abondamment illustré de reproductions de couvertures (partitions anciennes, disques), de photographies et d'illustrations diverses principalement tirées de la collection de l'auteur. Cette iconographie est riche de quelque 309 documents souvent rares ou inédits.




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  • Une histoire de la batterie de jazz de Georges Paczynski vient combler une lacune incroyable : c'est en effet la première fois qu'une histoire de cet instrument nous est proposée dans la littérature, française ou étrangère. Pourquoi ce silence sur cet instrument qui sait d'ordinaire si bien se faire entendre, et le seul que le jazz ait réellement inventé.
    La batterie porte en elle une part de mystère. Écrivains et journalistes hésitent toujours à affronter ce mariage des tambours et des cymbales, car s'ils peuvent évoquer la vie ou le style d'un batteur, il leur est bien difficile - ainsi qu'à quiconque ne pratique pas l'instrument - d'aller au fond de son oeuvre, faute de pouvoir en réaliser une analyse musicale convaincante. Batteurs et percussionnistes ont trop souvent consacré leurs efforts à perfectionner leur technique instrumentale, au détriment d'une culture historique et d'une réflexion musicale. Quant aux autres musiciens, ils n'abordent la batterie qu'avec prudence et circonspection : les partitions sans accords, sans chiffrages, sans enchaînements harmoniques, remplies d'ésotériques « ra de 3 », « paradiddles », « frisés » ou autres « press roll », leur sont si peu familières...
    Pour oser - et mener à bien - une histoire de la batterie, il fallait donc un homme qui ait mis la main à la pâte, qui soit batteur et écrivain, musicien et chercheur : Georges Paczynski est tout cela à la fois, et l'histoire qu'il nous propose, il l'a vécue lui-même, de l'intérieur.
    Batteur de jazz, percussionniste, compositeur, pédagogue et Docteur ès Lettres, Georges Paczynski s'est produit avec de nombreux artistes de premier plan, franc¸ais et ame´ricains (Phil Woods, Art Farmer, Eddy Louiss, Jean-Luc Ponty, Jean-François Jenny-Clark, Michel De Villers, Freddy Redd, Mal Waldron, Tony Scott, Jean-Paul Celea, Franc¸ois Moutin, Eric Watson, Ricardo Del Fra...). Il enseigne au Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon et anime régulièrement des stages et des master-class sur la batterie.

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