Transformer le théâtre, c'est aussi révolutionner notre vie. Publié en 1938, alors qu'il vient d'être interné, «Le Théâtre et son double» est un recueil de conférences, articles et lettres dans lequel Artaud entend "briser le langage pour toucher la vie". Il y développe notamment, en deux célèbres manifestes, son concept de "théâtre de la cruauté". Il y défend la dimension sacrée du théâtre, la prééminence du langage du corps sur le texte, et accorde au metteur en scène ("maître de cérémonies sacrées") plus d'importance qu'à l'auteur. Il y montre aussi que le théâtre est comme une seconde réalité, une "réalité virtuelle". Cette édition est complétée par un avant-propos de l'éditeur, ainsi qu'un dossier sur la réception de l'oeuvre, une synthèse biographique, la bibliographie des livres d'Artaud et quelques pistes de lecture
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Suite des carnets de Patrice Chéreau (1944-2013), acteur, scénariste, metteur en scène de théâtre et d'opéra, réalisateur, il a joué un rôle majeur sur la scène artistique et culturelle européenne durant plus de quarante ans.

"Ce qui apparaît au fil des pages de ce livre, c'est que l'acquisition d'un pouvoir de création dans l'exercice du théâtre prédispose à une capacité de créer sur un plan autrement large : celui de son comportement dans le monde. De ce point de vue, l'ouvrage de Knapp s'inscrit dans la lignée des oeuvres-miroir qui, depuis Platon en passant par Montaigne, Chateaubriand, Rousseau, ajoutent à notre perception de l'universel." MICHEL VINAVER

Jamais n'a été proposé une visite aussi particulière, aussi étonnante : à l'intérieur de la Comédie-Française sont disposées - sur trois étages - quarante loges réservées aux soixante sociétaires et pensionnaires de la troupe. Une même clé ouvre toutes ces loges qui chacune raconte une histoire de théâtre, de scène, de mots de Molière et d'autres auteurs, de rythmes, de scansions et de phrasés. Avant-propos par Éric Ruf et Alain Borer (sous réserve).

Le théâtre de Jean Genet (1910-1986) se compose d'une poignée de pièces : Les Bonnes, Haute surveillance, Elle, Splendid's, Le Balcon, Les Nègres, Les Paravents... Cette oeuvre majeure a suscité le scandale tout autant qu'elle a intéressé parmi les plus grands metteurs en scène du XXe siècle. Elle exacerbe le "fictif", le semblant, l'illusion. Elle est politique mais d'une drôle de politique, acharnée à arpenter le territoire du négatif.
Elle est, en effet, écrite "contre" : contre les Blancs, la société, contre Genet lui-même. Mais elle se révèle être aussi un fabuleux chant d'amour adressé au théâtre. "Que perdrait-on si l'on perdait le théâtre ?", demandait-il en 1967. Une telle question ne se pose pas moins aujourd'hui. Le Théâtre de Jean Genet essaie, tant que faire se peut, d'y répondre et, pour cela, de suivre les pistes qu'indiquent ses pièces et ses nombreuses réflexions sur le théâtre.
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Accents toniques, journal de théâtre (1973-2017) de Jean-Marie Piemme, avec une préface de Stanislas Nordey.


Le théâtre laïcise le monde. Le « comme si » du théâtre, c'est la vérité qui doute, la vérité qui ne colle pas, qui ne veut pas vous étrangler pour vous convaincre, qui ne vous crève pas les tympans pour avoir raison. Ainsi, en des temps marqués par la morsure du religieux, la simple existence du théâtre est son premier mérite.

Jean-Marie Piemme, né en Wallonie en 1944, a écrit une cinquantaine de pièces. Il est aujourd'hui l'un des acteurs majeurs du théâtre francophone contemporain. Immergé dans quatre décennies de création artistique, il égrène ici, avec intransigeance et malice, les réflexions et les souvenirs qui ont jalonnés son trajet de dramaturge, de pédagogue et d'auteur.
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Que savons-nous en Occident de la culture iranienne en 2017 ? Pour quelques érudits, c'est sans doute la terre des miniatures persanes et des enluminures sublimes, le pays de la littérature ! Celui des poètes persans comme Ferdowsi, Khayyam, Saadi, Hafez, des mystiques tels Rûmî ou Attar. Pour d'autres, l'Iran nous est conté par le cinéma d'Abbas Kiarostami et d'Asghar Farhâdi...
Sans être exhaustif, ce numéro offre un aperçu des arts scéniques dans leur complexité artistique et culturelle : perpétuation de genres traditionnels comme le ta'zieh (représentation religieuse à caractère rituel), le rou howzi (comédies avec le personnage du Noir, le Siâh) qui enchante toujours des salles intergénérationnelles ; création de formes inventives en salle et dans l'espace public. Par cette publication, nous souhaitons saluer le regain de vitalité du théâtre iranien de ces dernières années.

Conception et coordination Sylvie Martin-Lahmani en complicité avec Laurence Van Goethem.
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Dans le cadre de nos recherches pour le #133, nous avons recueilli des propos d'artistes, de directeurs de structures et de représentants d'institutions, en France et en Belgique. Ces paroles sont passionnantes, polémiques, souvent émouvantes et très stimulantes. Nous publions chaque semaine des extraits sur le blog, et présentons la totalité des textes dans cette publication sur le site. Plusieurs personnes ont participé activement à la récolte de ces témoignages : Christian Jade, Laurence Van Goethem, Antoine Laubin, Nancy Delhalle (Alternatives théâtrales), Lisa Guez (doctorante Paris 8) et bien sûr Martial Poirson (professeur Paris 8) et Sylvie Martin-Lahmani (Alternatives théâtrales), qui coordonnent ce travail.
Cette enquête a été réalisée sur la base d'un questionnaire-type élaboré par Martial Poirson. Nous l'avons adressé à un panel non exhaustif d'artistes et de responsables de structures, avec la consigne d'y répondre intégralement ou en partie. Certains ont choisi d'y réfléchir en toute liberté. Nous les remercions toutes et tous et sommes heureux de publier leurs réflexions ici.
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Lieu à la fois singulier et reconnu sur la scène belge et européenne, le Théâtre National de Bruxelles est la plus grande institution théâtrale de Belgique. Directeur de 2004 à 2017, Jean-Louis Colinet a su insuffler dans la programmation quelques-unes de ses valeurs profondes : goût pour les marges et le risque ; méfiance des modes passagères ; fidélité aux artistes de la première génération et volonté d'accompagner la relève des créateurs... De Jean-Marie Piemme, Jacques Delcuvellerie, Michèle Noiret, Isabelle Pousseur, Philippe Sireuil, Ingrid von Wantoch Rekowski... à Fabrice Murgia, le Raoul Collectif, Emma Dante, Lars Norén, Falk Richter et Joël Pommerat - pour ne citer qu'eux - ils sont nombreux à avoir arpenté cette grande maison.

Complice de longue date de cette trajectoire, la revue Alternatives théâtrales revient sur quelques temps forts du TNB depuis plus d'une décennie et donne la parole à des artistes programmés cette saison 16-17.

Ce numéro #130 Ancrage dans le réel s'achève par un dossier consacré à l'écrivain de spectacles Joël Pommerat.
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Notre revue, créée en 1979, s'appelle Alternatives théâtrales. Lancée durant les années Thatcher, son appellation peut se lire comme une réponse au célèbre « TINA » (There is no alternative), axiome économique qui s'est malheureusement imposé depuis. En 2016, qu'en est-il du théâtre - et plus généralement des arts de la scène - comme « lieu de l'alternative » ? À l'heure où la revue change de direction et de format, ce numéro se veut une exploration des pratiques artistiques qui cherchent à affirmer que des alternatives à la sinistrose ambiante existent. Il donne la parole à des artistes soucieux de faire le pari de l'intelligence collective et de proposer des espaces généreux de création, d'échanges et de réflexion.

Ce numéro d'Alternatives théâtrales édité à l'occasion de Mons 2015 n'a pas pour intention de donner à cette manifestation au long cours plus d'audience et de retentissement. L'événement en soi n'en a nul besoin. L'objectif ici est de fonder en pensée, étayer en intelligence critique et en dramaturgie une programmation avant tout impulsée par la fête et le plaisir du spectateur, associés à la communion de toute une cité, de tout un territoire. Si artistiquement certains projets peuvent paraître fort audacieux, beaucoup d'entre eux témoignent d'une continuité et d'une reconnaissance avérées par les prises de risque successives, au fil des saisons, sur lesquelles le Centre Dramatique Hainuyer puis Le manège.mons ont construit une double fidélité : à des artistes assidus et à un public élargi, dont les rendez-vous récurrents ont fini par élaborer une complicité, une attente et un parcours. Y.M.

Dans ce numéro :
Selma Alaoui, Georges Banu, Philippe Blasband, Guy Cassiers, Daniel Cordova, Fabienne Darge, Axel de Booseré, Bernard Debroux, Michèle Anne De Mey, Bérengère Deroux, Jean-Claude Derrudder, Frédéric Flamand, Peter Forman, Didier Fusillier, Maggy Jacot, Stéphanie Jasmin, Philippe Kauffmann, Yannic Mancel, Denis Marleau, Marco Martinelli, Sylvie Martin-Lahmani, Meryl Moens, Ermanna Montanari, Wajdi Mouawad, Fabrice Murgia, Michèle Noiret, Pierre Sartenaer, Jean-Michel Van den Eeyden, Jaco Van Dormael, Laurence Van Goethem, Yves Vasseur, Jean-Pierre Verheggen, Emmanuel Vinchon, Michel Voiturier, Lorent Wanson.
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Dès ses débuts, le langage scénique de Krzysztof Warlikowski intègre l'art video comme dimension essentielle de son esthétique. Son fidèle collaborateur, l'artiste vidéaste Denis Guéguin, fait partie de cette aventure depuis plusieurs années. À partir d'entretiens réalisés avec ce dernier, la scénographe Malgorzata Szczesniak et Krzysztof Warlikowski lui-même, cette monographie explore son oeuvre sur le plan conceptuel, avec une approche dramaturgique de ses mises en scène et sur le plan technique, révélant certaines pratiques de répétitions.

Krzysztof Warlikowski, the outstanding European director of theater and opera, is one of the greatest artists of our time. From the start, he incorporated video art into his scenic language as an essential dimension of his aesthetic. His collaborator, video artist Denis Guéguin, has been part of this adventure for many years. Based on interviews with Guéguin, set designer Malgorzata Szczesniak and Krzysztof Warlikowski himself, this monograph explores the director's scenic work for the first time, both from a dramaturgical perspective, revealing how the productions are prepared, and from a technical perspective, narrating key moments in rehearsals.
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À l'heure du passage de témoin à une nouvelle équipe de direction pour Alternatives théâtrales, il nous a semblé juste d'évoquer deux axes fondateurs des arts de la scène : l'amitié et l'argent, nerfs du théâtre ? Cet art ne s'accomplit pas dans la solitude d'un bureau : on fait du théâtre sur fond de confiance partagée. Elle est revisitée ici à partir des grands modèles de l'histoire, Stanislavski et Dantchenko, Strehler et Grassi, Brook et Grotowski de même que des expériences récentes, effervescentes, assises du théâtre d'aujourd'hui. Les amitiés de jadis et les amitiés de la scène moderne dialoguent.
Mais au théâtre comme à toute entreprise culturelle, il faut de l'argent.
Or, depuis une quinzaine d'années, les moyens économiques se raréfient dramatiquement. L'écart se creuse entre des structures inégalement dotées. Certaines restent une plateforme pour la création tandis que d'autres souffrent d'un embourgeoisement ramollissant ou meurent de la peste financière... La crise modifie l'économie du spectacle tout en nourrissant de nouvelles dramaturgies de l'argent. Ce numéro se propose d'analyser aussi les rapports tendus, complexes et nécessaires que le théâtre entretient avec l'argent.


Dans ce numéro:

Stéphane Arcas, Hortense Archambault, Françoise Bloch, Mathurin Bolze, Patrick Bonté, Peter Brook, Jean-Louis Colinet, Sylvain Creuzevault, Michael Delaunoy, Judith Depaule, Thierry Jolivet, Patrice Junius, Federico León, David Lescot, Christine Letailleur, Agnès Limbos, Stefano Massini, Katie Mitchell, Nicole Mossoux, Stanislas Nordey, Mariano Pensotti, Raoul Collectif, Luca Ronconi, Tarkos, Ali et Hédi Thabet, Anne Théron, Anja Tillberg, Gisèle Vienne, Jean-Pierre Vincent.

Textes et entretiens de : Robert Abirached, Marie-Christine Autant-Mathieu, Anna Bandettini, Georges Banu, Eugenio Barba, Pierre Chevallier, Sabine Dacalor, Camille Dagen, Fabienne Darge, Bernard Debroux, Nancy Delhalle, Emmanuelle Favier, Carole Guidicelli, Benoit Hennaut, Chantal Hurault, Thierry Jolivet, Antoine Laubin, François Lecercle, Yannic Mancel, Sylvie Martin-Lahmani, Jean-François Peyret, Anastassia Politi, Martial Poirson, Corinne Rigaud, Olivier Rony, Myriam Tanant, Clotilde Thouret, Laurence Van Goethem, Frédéric Vossier.
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La compagnie Lucilia Caesar animée par Ingrid von Wantoch Rekowski fête ses vingt ans. La présente publication égrène la mémoire d'un parcours riche et singulier. Déclinées comme les panneaux étoilés d'un polyptyque, une forme picturale dont s'inspire l'écriture scénique d'Ingrid, les traces ici réunies de ses spectacles parviennent à définir un style de dramaturgie musicale bien à elle, où peinture et statuaire baroques dialoguent avec les musiques profanes et sacrées de tous les temps, où les corps et le mouvement se frottent à l'épreuve de la voix et du son, où les pratiques scéniques les plus contemporaines rivalisent d'audace et d'humour avec l'héritage historique parfois sévère de la bibliothèque musicale et du musée.

Fuyant les rives de Troie, Ulysse découvre des îles inconnues ; après son errance, Énée fonde une nouvelle cité. De la préhistoire à la Renaissance et à l'époque contemporaine, le voyage et l'aventure construisent l'expérience de l'autre et donnent la mesure de la diversité des représentations du monde. Et si les cultures humaines étaient nées de ce désir d'ailleurs ?
Pour mieux déchiffrer les transformations qui traversent notre temps et l'actualité trop pressante, les textes réunis dans cet ouvrage proposent de multiples détours. Ils invitent à une traversée des mondes, des espaces, des temps et des imaginaires. Ce dialogue entre la création artistique et la recherche scientifique oeuvre à la connaissance des intelligences culturelles.
Comment les sociétés inventent et s'inventent ? Comment passer de la violence à la justice, s'accorder sur le bien commun, accueillir l'étranger et faire récit du passé pour imaginer un avenir commun ?
Cet ouvrage a été coordonné par Catherine Courtet, responsable scientifique, Agence nationale de la recherche ; Mireille Besson, directeur de recherche, CNRS-Aix-Marseille Université ; Françoise Lavocat, professeur, Université de la Sorbonne Nouvelle ; Alain Viala, professeur émérite, Université d'Oxford.

Avec les contributions de Roland Auzet, Alexandra Badea, Frederick Cooper, Vincent Debaene, Souleymane Bachir Diagne, Delphine Diaz, Jan Willem Duyvendak, Alain Ehrenberg, Edhem Eldem, Laurent Gaudé, Laurence Giavarini, Pascale Gisquet-Verrier, Paulin Ismard, Kevin Keiss, Josip Kešic, Anne Lehoërff, Giovanna Leone, Grégoire Mallard, Thibaut Maus de Rolley, Alessandro Monsutti, Anne Piéjus, Maëlle Poésy, Waddah Saab, Blandine Savetier, Sylvain Venayre et Jean-Pierre Vincent. Préface d'Olivier Py.
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Concevoir, rédiger, composer, adapter, citer, copier-coller, chorégraphier, improviser, diriger, au plateau ou en chambre, avec ou sans ambition littéraire, dans une perspective pluri- ou trans-disciplinaire, dans un processus solitaire ou collectif... écrire en 2017, c'est quoi exactement ?
Comment écrit-on pour la scène aujourd'hui ?

Dans ce numéro :
Le Collectif Berlin, la Compagnie 14:20, Marjorie Bertin, Roberto Bolaño, Julie Bordenave, Axel Cornil, Joseph Danan, Nancy Delhalle, Thomas Depryck, Frédéric Dussenne, Louise Emö, Emmanuelle Favier, Rodrigo García, Julien Gosselin, Lazare Gousseau, Benoît Hennaut, Marie Henry, Arnaud Hoedt et Jérôme Piron, Christian Jade, Christiane Jatahy, Antoine Laubin, Frederik Le Roy, Angélica Liddell, Veronika Mabardi, Caroline Marcilhac, Sylvie Martin-Lahmani, Laurent Mulheisen, Philippe Noisette, Pier Paolo Pasolini, Arnaud Pirault et Clément Thirion, Vimala Pons et Tsirihaka Harrivel, Milo Rau, Vincent Romain, Alessandro Sciarroni, Claude Schmitz, Christophe Triau, Laurence Van Goethem, Ivo van Hove, Krysztof Warlikowski.
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Les Occupations sont des espaces-temps à part dans la saison du théâtre. Pensées afin de permettre que dialoguent un artiste, des artistes, avec des spectateurs, avec d´autres artistes, avec un lieu - le Théâtre de la Bastille -, avec la rue, d´une manière plus libre, plus intense aussi, elles donnent naissance à des projets éphémères, des rencontres, des expériences inattendues. Cette année, nous avons invité le photographe Sylvain Duffard à suivre cette Occupation, non pour en rendre compte, mais pour ménager une autre entrée dans l´univers sensible de Nathalie Béasse avec l´idée que les chemins artistiques qu´ils empruntent, aussi différents soient-ils, touchent parfois des rives qui se font écho et se parlent. En effet, le paysage est omniprésent chez Nathalie Béasse, à la fois dans la matière textuelle qu´elle utilise, mais également sur le plateau.
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Si ce sont des textes d'écrivains qui ont inspiré ma danse, j'ai voulu ajouter entre leurs phrases ce qui ne pouvait pas être dit, ces gestes qui étaient imbibés de leurs mots et qui disparaissent. Rendre ces paroles aussi fugitives et éphémères qu'un geste.
Les écrits sont plus pertinents pour traverser le temps. Pourquoi alors écrire le geste, pourquoi devenir chorégraphe ?
J'ai travaillé face au miroir pour apprendre à décrypter un geste, puis j'ai abandonné le miroir pour regarder les mouvements des autres dans la vie de tous les jours, comme un anthropologue.

J'ai utilisé des caméras de toutes sortes qui m'ont permis de différencier ma vision d'un Narcisse pour laisser place à celle d'un Orphée ; l'important n'était plus ce que je voyais mais ce que je ressentais de l'intérieur.
Les images et les gestes sont devenus plus profonds et différents grâce à un décalage dans le temps et ont permis d'apercevoir l'image d'après son miroitement dans les sens.
Un travail d'orfèvre à ciseler un corps au plus proche de son âme.
Je possède des cahiers, remplis de notes et d'extraits de textes. Ils sont témoins, en plus de mes pièces, de mon existence.
J'ai créé plusieurs solos pour ensuite réaliser des pièces de groupes et pouvoir approcher et nourrir mes danseurs. Pour cela, j'ai toujours d'abord été seul en studio, sauf pour les derniers spectacles où des collaborateurs m'ont aidé à me questionner, tout simplement.
Je suis devenu plus épistolaire en écrivant mes pièces et cela à cause de mes départs.
Comme l'encre des écrivains sur le papier, j'ai dépensé pas mal de sueur et de sang avec mes interprètes. Tout cela est resté sur les planches des studios des théâtres, dans les rues, les cinémas, les jardins et aussi dans la mémoire des hommes et des femmes qui m'ont aidé à écrire cette traversée.
C'est dans cet esprit que je les ai conviés à « écrire les gestes ».
Transmettre et partager des passions, des vérités évanescentes.
Imprimer dans les mots les silences de nos gestes.
Claudio Bernardo
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Quelles écoles, quelles universités, quels enseignements existent aujourd'hui dans les différents espaces géographiques ? Quels principes inspirent les formateurs d'un univers culturel à l'autre ? Au-delà de la diversité offerte, quel but s'assignent les formations existantes et comment concevoir de nouvelles formations ? Quels arts du spectacle pour demain ? Ce volume fait suite au précédent du même auteur La scène mondiale aujourd'hui, Des formes en mouvement.

Cette anthologie de monologues de personnages masculins parcourt la littérature dramatique de la fin du XVIe siècle à nos jours, et propose cinquante tirades sélectionnées parmi les plus expressives du répertoire européen et américain.

Ces monologues - précédés d'un texte introductif qui les replace dans leur contexte, résume la pièce et donne des indications sur le personnage -, constituent, par leur choix et leur diversité, un bon outil de travail pour un banc d'essai original, qui permettra aux comédiens débutants ou déjà confirmés de s'entraîner pour une audition ou de parfaire leur jeu, en abordant tous les registres - du rire aux larmes, de l'intériorité à l'épanchement.

Ces extraits peuvent également inciter les amateurs à redécouvrir ou à approfondir des oeuvres théâtrales, et à approcher avec facilité les auteurs contemporains - nombreux dans ce recueil - souvent considérés, à tort, comme inaccessibles.
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Ce livre explore de quelles manières les éléments de décentrage mis en oeuvre au Théâtre du Soleil participent à la centralité de son projet artistique. Un vide incontestable existe dans la production universitaire et critique à ce sujet, que nous proposons de combler à l'aide d'une équipe de spécialistes dont nous avons organisé les contributions selon trois axes. Le lieu : situé à la périphérie de Paris, loin des mémoires théâtrales parisiennes normatives, le Soleil est un lieu propice au foisonnement de l'inventivité dramatique. Le jeu : l'adoption de traditions scéniques souvent lointaines, de techniques de jeu exogènes, rend cette troupe dépositaire de l'art théâtral tout entier. La transmission : ni sa fondatrice, ni ses membres, ni son public ne sont prêts à baisser le rideau pour la dernière fois, mais comment prolonger dans le temps une telle entreprise ? La question du devenir se pose aujourd'hui pour cette institution sortie des marges qu'est devenu ce Théâtre. Lire la suite Fermer

Traduire le théâtre, c'est se projeter sur une scène, dans le corps des acteurs. C'est aussi partir de son propre corps pour trouver les mots qui créeront du jeu, et faire l'expérience de sa place, parfois instable, dans une communauté.

Au fil de témoignages, de réflexions théoriques et pratiques, cet ouvrage collectif s'attache aux rôles multiples des traducteurs au théâtre. Il analyse la mission de celles et ceux qui, par leur travail solitaire ou collaboratif, à la table ou en répétition, donnent sa première matérialité au texte ; il questionne les faisceaux de relations qu'ils entretiennent, tant avec des auteurs, metteurs en scène, acteurs, qu'avec des producteurs ou des éditeurs.

Se trouve ainsi interrogée la place même du traducteur, au croisement de perceptions divergentes, voire conflictuelles, dans la communauté d'expérience que représente le théâtre.
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Il y a plus d'un siècle en Angleterre, Virginia Woolf s'interrogeait sur l'impuissance des femmes écrivaines. En conclusion d'Une Chambre à soi, l'icône du féminisme invitait les poétesses en germe à ne plus renoncer à leurs droits à penser, écrire et créer.
La question de la parité restant au coeur des problèmes sociétaux, Alternatives théâtrales s'intéresse à ses impacts dans le champ des arts de la scène : que font les femmes à l'art et au théâtre ? Y a-t-il une manière d'orchestrer une troupe au féminin, de représenter les corps, propre aux femmes ? Quelle organisation au sein des entreprises artistiques et culturelles ? Quelle écriture dans un contexte inégalitaire ?
Différents artistes et intellectuels livrent ici leurs réflexions, en s'appuyant sur des exemples de création au féminin en Belgique, en France, et dans d'autres pays du monde, où il est affaire de « deuxième sexe », de (ou des) féminisme(s), de genre et de post-féminisme.
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