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Éditeurs
Hazan
588 produits trouvés
-
Turner, le sublime héritage : En dialogue avec des artistes contemporains
Collectif
- Hazan
- 3 Juillet 2024
- 9782754117050
Catalogue officiel de l'exposition «Turner le sublime héritage», au Grimaldi Forum Monaco du 6 juillet au 1er septembre 2024.
Cette exposition aura pour point central William Turner et l'héritage qu'on lui doit. Initialement de la veine romantique anglaise, son oeuvre est marquée par une recherche novatrice audacieuse qui le fait considérer comme un précurseur de l'impressionnisme. Renommé pour ses huiles, Turner est également un des plus grands maîtres anglais de paysages à l'aquarelle.
L'exposition fera dialoguer ses oeuvres avec celles d'artistes contemporains, tels que Katie Paterson, Cornelia Parker, Jessica Warboys, Lisa Milroy, Wolfgang Tillmans, John Akomfrah, Peter Doig, Richard Long, Laure Prouvost, Olafur Eliasson, Edward Burtynsky, Roni Horn, Howard Hodgkin, Peter Lanyon ou encore Mark Rothko. -
Le 31 mai 2023, Ellsworth Kelly (1923-2015) aurait eu 100 ans. A partir de l'observation de son environnement direct, il a redéfini l'abstraction dans la seconde moitié du XXe siècle, conduisant ses formes épurées, aux couleurs souvent éclatantes, au-delà des attendus de la peinture et de la sculpture.
Près de dix ans après sa disparition, ses oeuvres exercent toujours la même fascination, par leur intensité et leur équilibre, la qualité de leurs adresses visuelles, les espaces qu'elles créent, leur sensualité paradoxale exprimée dans la rigueur. La Fondation Louis Vuitton a la chance de témoigner quotidiennement de cela grâce à la présence dans son auditorium d'une installation pérenne, une des toutes dernières réalisations de l'artiste.
Cet ouvrage offre une introduction et un panorama de son oeuvre, à l'image de l'exposition qu'il accompagne et qui se tient à la Fondation Louis Vuitton du 7 mai 2024 au 9 septembre 2024. Première exposition en France à aborder son oeuvre avec un spectre chronologique aussi large, elle est composée de plus de centaine d'oeuvres, peintures, dessins photographies et collages. Comme elle, ce livre permet d'appréhender pleinement le travail accompli par l'artiste. Ses travaux sont reproduits ici accompagnées d'études de familiers de son oeuvre (Jean-Pierre Criqui, Suzanne Hudson) ou d'apports sur des aspects moins connus (Corey Keller sur la photographie, Alex da Corte sur la liberté se son oeuvre, Sarah Rogers sur sa réception au Moyen-Orient). Il comporte aussi une chronologie richement illustrée. Peter Eeleey y revient notamment sur le séjour décisif de Kelly en France dans l'immédiate après-guerre, son apport à la scène américaine au tournant des années 1950 et 1960. Et plus en aval, il suit le développement et les ramifications complexes d'une oeuvre abordant toutes les échelles de la perception, du trait sur une feuille, à l'intervention dans l'espace architectural. -
Prenant part à la programmation culturelle des Jeux olympiques et paralympiques de 2024, l'exposition propose au public de découvrir la création des premiers Jeux Olympiques modernes, d'en saisir le contexte politique et de comprendre comment et pourquoi ses organisateurs ont voulu réinventer les concours de la Grèce antique. A partir d'archives inédites, d'objets jamais montrés et d'oeuvres d'art antique emblématiques, elle montre comment cette réinvention repose sur une combinaison orientée des sources antiques (textes, images et vestiges), faisant de l'olympisme moderne une illusion collective mais efficace. Le catalogue qui l'accompagne prolonge et illustre cette perspective. Il rappelle comment Paris, trois fois capitale olympique (1900, 1924, 2024), a été aussi le berceau où est née en 1894 l'idée de l'olympisme moderne : les collections du Louvre et la formation des artistes de l'École des Beaux-Arts, la Sorbonne, le Collège de France et les réformes de l'instruction ou encore le milieu philhellène de Paris, forment le cadre où ont évolué des personnalités célébrissimes, comme Pierre de Coubertin, ou mal connues ou inconnues du grand public, comme l'écrivain grec Démétrios Vikélas, le philologue français Michel Bréal ou l'artiste suisse Émile Gilliéron. Grâce à l'exploitation du fonds d'archives inédites de l'atelier de É. Gilliéron déposé récemment à l'École française d'Athènes, il est aujourd'hui possible d'analyser précisément la fabrique de la première iconographique olympique, de 1896 à 1924, inspirée des images antiques et déclinée en affiches, trophées, médailles, timbres et cartes postales. A l'aide de documents d'époque, comme la chronophotographie, est aussi retracé le processus de réinvention de gestes sportifs grecs, comme le lancer du disque. Enfin le catalogue montre comment cette réinvention, qui est aussi une manipulation des sources, occasionne des dérives nationales ou internationales, des exclusions ou des stéréotypes dont les études classiques ont été d'une certaine manière les victimes. L'ensemble des textes qui composent le catalogue fournissent ainsi les clés pour comprendre les enjeux de l'olympisme moderne.
Éditeurs scientifiques :
Christina Mitsopoulou est archéologue, formée à l'université de la Sorbonne et l'Université d'Athènes, en Histoire de l'Art et Archéologie grecque. Spécialiste de l'archéologie des cultes, de céramique, petits objets et d'iconographie, son activité de terrain a surtout porté sur la région des Cyclades et l'Attique (Éleusis). Par sa formation comme guide culturelle en Grèce elle tire aussi une expérience de la topographie et de la communication du savoir académique vers un plus grand public. Depuis 2013 elle a étendu ses recherches vers le domaine de l'histoire de l'archéologie et des questions d'authenticité en art antique. Enseignante à l'Université de Thessalie en Grèce, elle mène depuis 2017 un projet de recherches au sujet du fonds Gilliéron à l'École française d'Athènes, d'où est issue la présente exposition.
Alexandre Farnoux est professeur d'archéologie et d'histoire de l'art grec à Sorbonne Université depuis 2001. Ancien directeur de l'École française d'Athènes (2011-2019), il a fouillé en Macédoine, dans les Cyclades et en Crète. Il mène des recherches sur la civilisation grecque, en particulier sur le sport, et en histoire de l'archéologie, par exemple sur A. Evans et la découverte de la Crète ou sur la réception d'Homère. Il a été co-commissaire en 2019 de l'exposition Homère au Louvre-Lens et de l'exposition Christian Zervos, le tournant archaïque, au musée Benaki à Athènes.
Violaine Jeammet est conservatrice générale au département des Antiquités grecques, romaines et étrusques du musée du Louvre. Spécialiste des figurines en terre-cuite grecques et romaines et membre associée de l'UMR 8164-HALMA,, elle enseigne à l'École du Louvre. Commissaire ou co-commissaire de nombreuses expositions, dont l'exposition Tanagra-Mythe et archéologie au Louvre en 2003, elle conduit des études plus particulièrement sur l'artisanat et la polychromie antique. -
«Ces toiles vous diront ce que je ne sais dire en paroles.» 20 mai 1890, Vincent van Gogh arrive à Auvers-sur-Oise. Il vient de quitter la maison de santé de Saint-Rémy-de-Provence et espère apaiser ses maux dans cette campagne du val d'Oise, auprès du Dr Gachet. Aspirant à saisir «le passage désespérément rapide des choses dans la vie moderne», il travaille sans relâche et réalise 74 tableaux et plus de 50 dessins en deux mois à peine. Il expérimente thèmes et formats inédits et livre une oeuvre originale, à la touche plus que jamais expressive et aux accords de couleurs nouveaux.
Le 27 juillet 1890, il met fin à ses jours.
Fruit d'une étroite collaboration entre le Van Gogh Museum et le musée d'Orsay, cet ouvrage propose une nouvelle datation des oeuvres, décrypte cette production artistique encore méconnue et analyse la souffrance psychique qui a conduit le peintre à mettre un terme brutal à son art.
Ouvrage en coédition avec le Musée d'Orsay. -
Ce livre se revendique comme une synthèse. Il invite le lecteur à découvrir à la fois les grandes fonctions de l'art, mais aussi la diversité des formes possibles de la création et les corrélations qui peuvent les unir. Enrichir le regard : Un dispositif concerté permet des allers et retours entre le texte, les commentaires et les images, tout au long de l'ouvrage. Découvrant, sur des millénaires, les échanges et les redécouvertes, d'une civilisation à l'autre, d'un continent à l'autre, le lecteur apprendra à confronter, ne serait-ce que pour mieux les différencier, des productions d'époques ou de lieux qu'il n'aurait pas songé à rapprocher.
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Loin des stéréotypes et idées erronées dont les compétitions sportives contemporaines se réclament, Alexandre Farnoux dessine ici une image précise du sport chez les Grecs anciens. S'appuyant sur les riches collections du Louvre, combinées aux sources textuelles, il parvient à rétablir les pratiques des Grecs dans ce qu'elles ont d'étrange et d'inattendu, et fait revivre sous nos yeux l'animation d'une leçon de gymnastique ou l'ambiance des concours.
L'auteur met en lumière la place prépondérante du sport dans la société grecque, l'importance de l'entraînement dans l'éducation et la préparation à l'armée, les liens entre religion, politique et compétition, le rôle et les enjeux de la victoire.
Il en ressort que l'héritage que nous pourrions assumer de la pratique sportive des Grecs ne se trouve pas dans la vision du sport contemporaine, mais bien davantage dans une leçon de modération, que Galien, à la suite d'Hippocrate, résumait ainsi : « Des exercices, de la nourriture, des boissons, du sommeil, les plaisirs de l'amour, le tout avec modération. »
Cet ouvrage est une coédition Musée du Louvre/Éditions Hazan -
Les fleurs par les grands maîtres de l'estampe japonaise
Amélie Balcou
- Hazan
- 2 Mai 2019
- 9782754110907
Ce coffret met à l'honneur le thème des fleurs, et plus généralement de la nature, si importants dans l'art japonais, à travers une sélection des plus célèbres estampes du genre ancestral du kachô-ga, ces « images de fleurs et d'animaux », de l'époque d'Hokusai au début du xxe siècle.
Dès le début du xixe siècle, face à la politique d'isolationnisme du pays, les Japonais aspirent à plus de liberté, et trouvent dans la nature une échappatoire à la claustration ambiante et à l'asphyxie qui les menace à terme.
Renouer avec la nature, écouter le rythme des saisons, admirer les fleurs de pruniers ou de cerisiers, goûter la fraîcheur du soir, contempler les premières neiges, ou surprendre l'envol des grues ou des oies sauvages sont autant d'occasions de longs voyages ou de simples promenades.
Hokusai et Hiroshige saisissent cette évolution de la société japonaise, qu'ils transcendent dans leurs magnifiques estampes de fleurs.
Conjuguant réalisme et spiritualité, observation directe et interprétation tout empreinte de shintoïsme et de bouddhisme, Hokusai (1760-1849), et Hiroshige (1797-1858) portent à sa perfection la représentation d'une nature magnifiée. Partant tous deux de l'observation de la faune et de la flore, ils en expriment, par des styles différents, la permanence et l'état d'éternel recommencement, en même temps que le caractère fragile et éphémère.
Aucun grand maître de l'estampe n'a capturé aussi bien l'âme de la nature japonaise qu'Hokusai. Pour Edmond de Goncourt, c'est « le peintre universel qui, avec le dessin le plus vivant, a reproduit l'homme, la femme, l'oiseau, le poisson, l'arbre, la fleur, le brin d'herbe [...] qui a fait entrer, en son oeuvre, l'humanité entière de son pays ».
Ces deux grands noms de l'estampe vont inspirer nombre d'artistes, ceux notamment du mouvement shin-hanga (« nouvelles gravures »), tels Imao Keinen (1845-1924) ou Ohara Koson (1877-1945), qui vont à leur tour célébrer les fleurs et la nature, et se passionner pour leurs plus infimes variations, puisant dans leurs formes et leurs textures une formidable source d'inspiration graphique Cette sélection des plus belles estampes dédiées aux fleurs ne se veut pas simplement descriptive mais elle révèle comment les artistes les rêvent, les fantasment et leur donnent une force symbolique propre. Les fleurs deviennent ainsi l'expression des émotions, mais aussi celle d'un rapport profond avec la nature, plus que jamais au coeur des questionnements actuels. -
Berthe Morisot et l'art du XVIIIe siècle
Marianne Mathieu, Dominique d' Arnoult, Claire Gooden, Lois Oliver
- Hazan
- 18 Octobre 2023
- 9782754113335
Peintre, pastelliste et aquarelliste virtuose, Berthe Morisot (1841-1845) est aussi l'une des cofondatrices de l'impressionnisme. Au sein du groupe impressionniste, elle a immédiatement été reconnue comme une artistes des plus remarquables qui suscite l'admiration et le respect de ses pairs, Claude Monet, Edgar Degas et Pierre Auguste Renoir.
Demeurée dans l'ombre de ses collègues masculins jusqu'à un passé récent, Morisot est dorénavant considérée comme une personnalité incontournable de la nouvelle peinture de la seconde moitié du XIXe siècle et de l'impressionnisme en particulier.
Depuis 1880, son art est notamment associé à l'élégance et la grâce du XVIIIe siècle, à la peinture de François Boucher et de Jean-Honoré Fragonnard, aux pastels de Jean-Baptiste Perronneau et de Maurice Quentin Delatour.
Cet ouvrage constitue la première étude approfondie dédiée à ce thème. Apportant nombre d'informations inédites, il contribue à enrichir notre approche et notre compréhension de Berthe Morisot. Au-delà des comparaisons de façade, le lien fondamental mais subtil qui unit la première femme impressionniste à la peinture du siècle de Louis XV est détaillé et abondamment illustré. Ce lien s'impose comme l'une des principales singularité de qson art, la clé d'une oeuvre qui laisse percevoir une pointe de XVIIIe siècle exaltée de présent. -
Les saisons par les grands maîtres de l'estampe japonaise
Amélie Balcou
- Hazan
- 7 Novembre 2018
- 9782754114905
Grands voyageurs et passionnés de nature, Hokusai (1760-1849) et Hiroshige (1797-1858) ont révolutionné l'art de l'estampe japonaise dès la fin du xviiie siècle, en portant à son apogée le genre du paysage. Peuplant leurs vues de scènes de la vie quotidienne, ils se sont largement appropriés le thème des saisons, au coeur de la pensée japonaise depuis la fin de la période Yamato (250-710). Dès le vie siècle, les poètes s'emparent du sujet en lui associant une iconographie propre : la floraison des cerisiers devient le grand symbole du printemps et le soleil celui de l'été. L'automne appelle à la contemplation des feuilles d'érables et de la lune. L'hiver vient avec les premières neiges... Les artistes, largement influencés par le modèle chinois, s'approprieront ensuite cette vision simplifiée du cycle de la nature. Dès l'époque de Heian (794-1185) émergent de nouveaux genres liés au cycle de la nature, comme les peintures des quatre saisons, des douze mois de l'année et des lieux célèbres. Toutefois, c'est à l'époque d'Edo (1600-1868) que le thème de la nature connaît son plus grand succès avec l'estampe, et plus particulièrement avec le paysage, propice à la représentation des saisons. Avec les illustres Hokusai et Hiroshige en chefs de file, les artistes du paysage capturent toutes les variations de la nature, s'attachent aux scènes enneigées comme aux jardins de cerisiers ensoleillés, aux promeneurs luttant contre la pluie ou admirant les feuilles d'érables rougeoyantes. Ce genre leur survivra, au Japon mais également en Occident où il aura une influence considérable sur l'oeuvre des impressionnistes. Il renaîtra au début du xxe siècle, avec les derniers grands maîtres japonais du paysage et de l'estampe, et Hasui (1883-1957) qui s'attacha autant qu'Hokusai et Hiroshige à la représentation des saisons. Désormais, l'immuable cycle de la nature se fond dans un paysage moderne, bouleversé par les grands changements de la seconde moitié du xxe siècle. Hasui réactualise ce thème intemporel, encore aujourd'hui au coeur des préoccupations du Japon d'aujourd'hui.
Ce petit coffret met à l'honneur ce sujet si cher aux Japonais en proposant une sélection des plus célèbres estampes, issues de l'oeuvre des plus grands artistes du paysage, de l'époque d'Hokusai à celle d'Hasui, et en les accompagnant d'un livret explicatif. -
L'artiste visionnaire Alphonse Mucha (1860-1939) a révolutionné le rapport à l'art de ses contemporains en appliquant son esthétique si caractéristique à de multiples domaines comme les affiches, la publicité, la décoration intérieure ou encore le théâtre.
Grâce à sa rencontre providentielle en 1894 avec l'immense actrice Sarah Bernhardt, le Tout-Paris de la Belle Époque s'est paré des oeuvres de ce créateur virtuose, qui a élaboré et imposé le style Art nouveau comme l'avant-garde artistique incontournable en ce tournant de siècle.
L'exposition « Mucha. Maître de l'Art nouveau » met à l'honneur la pensée engagée de cet artiste tchèque, en tant qu'élément constitutif de son oeuvre, empreinte de beauté et d'harmonie.
À côté des célèbres affiches et panneaux décoratifs de l'époque, révélant Mucha comme prophète de l'Art nouveau, cet ouvrage, et l'exposition qu'il accompagne, présente aussi ses mystérieuses et puissantes peintures, encore trop méconnues, révélant la facette mystique et politique de son oeuvre.
À travers près de cent vingt oeuvres provenant de la Fondation Mucha, il met en lumière toute la splendeur et l'évolution de la grandeur artistique de Mucha où mysticisme, symbolisme, identité slave et beauté se côtoient. -
Gabriele Munter & Eudora Welty : Au début, la photographie
Isabelle Jansen, Gilles Mora
- Hazan
- 3 Juillet 2024
- 9782754117036
Catalogue officiel de l'exposition « Gabriele Münter & Eudora Welty. Au début, la photographie » au Pavillon Populaire de Montpellier du 26 juin au 29 septembre 2024.
Gabriele Münter (1877-1962) et Eudora Welty (1909- 2001) sont deux femmes - artistes majeures du XXe siècle : Gabriele Münter est un peintre reconnu, affiliée au groupe pictural d'avant-garde « Le Cavalier Bleu » et longtemps la compagne de Vassily Kandinsky. Eudora Welty, elle, est reconnue comme un des plus talentueux des écrivains sudistes américains.Avant d'être engagées dans la pratique intensive et passionnée de leurs mediums respectifs, la peinture et la littérature, Münter et Welty se sont d'abord investies dans celle, intensive et passionnée, de la photographie.
Plus qu'un simple hobby, la photographie - pratiquée chez ces deux femmes à l'aube de leurs carrières - annonce, le développement à venir de leurs futurs champs artistiques. Une telle similitude active sur un territoire photographique commun (le Sud-Est des États-Unis), ne peut que nous étonner et nous interroger.
L'exposition montrera environ une soixantaine de tirages pour chacune des deux artistes. -
Ce coffret réunit l'essentiel de l'oeuvre de Gustav Klimt 1862-1918 (soit cinquante oeuvres reproduites en "accordéon" pour tous publics), d'un artiste hors du commun qui a fait sienne cette devise de la Sécession viennoise toujours aussi forte et intemporelle : « À chaque époque son art. À l'art sa liberté. Quand est créé ce mouvement en 1897, Klimt a trente-cinq ans. Il est en pleine maturité, et pour lui c'est un tournant. Ce fils de doreur né dans un faubourg viennois, qui a appris peinture et dessin ornemental dans une école d'arts appliqués, qui est déjà l'auteur de décors, adhère aux principes de ce Sezessionsstil : se détourner du conservatisme, puiser dans des sources d'inspiration inédites, bannir la hiérarchie entre beaux-arts et arts mineurs, s'allier à l'architecture. En bref, élaborer un art nouveau - comme dans le reste de l'Europe. À Vienne, dans cette capitale cosmopolite de l'Empire austro-hongrois, instable et décadente, Klimt développe stylisation, arabesque et profusion décorative, avec comme sujet presque unique le corps féminin, à l'érotisme obsédant. Entre portraits mondains, allégories et paysages, entre peintures de chevalet et décors privés, ses oeuvres sont devenues l'un des emblèmes de la modernité viennoise.
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Le trésor de Notre-Dame de Paris : des origines à Viollet-le-Duc
Jannic Durand, Anne Dion, Michèle Bimbenet-Privat, Florian Meunier
- Hazan
- 18 Octobre 2023
- 9782754113526
Au lendemain du terrible incendie qui a frappé Notre-Dame de Paris le 15 avril 2019, le musée du Louvre a ouvert grand ses portes aux chefs d'oeuvre de la cathédrale pour les mettre à l'abri. C'est ainsi qu'une partie inestimable du trésor, célèbre pour les reliques insignes qu'il abrite, en particulier celle de la Couronne d'épines, a trouvé refuge au sein du musée.
Rescapés d'une histoire mouvementée, calices, ciboires, étoles, livres anciens et précieuses reliques se trouvent ainsi exceptionnellement réunis, avant de regagner leur écrin restauré, l'admirable sacristie élevée au milieu du xixe siècle au pied de la cathédrale par Jean-Baptiste Lassus et Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc.
Cet ensemble forme le chapitre le plus récent d'une histoire millénaire que l'ouvrage retrace au gré des inventaires, des récits historiques, des peintures, des manuscrits enluminés et des gravures, tissant entre plusieurs époques de l'histoire de l'art et de l'architecture un fil unique et passionnant.
Les auteurs Jannic Durand, Conservateur général honoraire du patrimoine, directeur honoraire du département des Objets d'art Anne Dion-Tenenbaum, conservatrice générale, adjointe au directeur du département des Objets d'art.
Michèle Bimbenet-Privat, conservatrice générale honoraire au département des Objets d'art.
Florian Meunier, conservateur en chef au département des Objets d'art. -
De Vermeer à Van Gogh, les maîtres hollandais : Bassins des Lumières
Collectif
- Hazan
- 13 Mars 2024
- 9782754113892
Catalogue officiel de l'exposition numérique « De Vermeer à Van Gogh, les maîtres hollandais », du 16 février 2024 au 5 janvier 2025, aux Bassins des Lumières, qui met à l'honneur le génie des peintres du Nord à travers une véritable immersion dans une peinture authentique, au plus près de la nature et de ses sujets.
Cette création numérique présente le génie des peintres du Nord à travers une véritable immersion dans une peinture authentique, au plus près de la nature et de ses sujets. Les bassins monumentaux de cette ancienne base sous-marine offrent un site exceptionnel pour présenter les plus grands maîtres de la peinture hollandaise qui ont cherché à saisir, chacun à leur manière, la puissance de la lumière.
Ce catalogue officiel explore les plus grands tableaux des maîtres de la peinture hollandaise : Vermeer, Rembrandt, mais aussi Van Gogh, digne héritier de ce siècle d'or, qui nous emmène finalement sous la lumière du Sud ... ces trois noms illustres rythment ce voyage qui magnifie la force de leur art.
Pour approfondir et compléter cette expérience immersive unique, cet ouvrage, composé d'une introduction générale écrite par l'historienne de l'art Valérie Mettais, propose de mettre en regard une cinquantaine d'oeuvres originales avec une dizaine de photos in situ de l'exposition. Une dizaine de notices d'oeuvres commentées par l'auteure viennent enrichir ce voyage au coeur des oeuvres des plus grands chefs-d'oeuvre de la peinture hollandaise. -
Les saints : Aventure spirituelle et représentation
Robert Bared
- Hazan
- 2 Novembre 2023
- 9782754112857
Vivants dans le coeur des fidèles, les saints se manifestent à tous - croyants, athées, agnostiques - à travers leurs images peintes ou sculptées, leur présence innombrable dans nos musées et nos églises. Entre vénération religieuse et célébration artistique, dans leur éternité ou leur postérité, les saints ne sont pas révolus.
Pour mieux lire leurs représentations et en saisir le sens, il faut connaître les épisodes marquants de leur vie, leurs aspirations intimes, leur quête d'absolu. Pour mieux les identifier et remonter à l'origine des signes distinctifs que sont leurs « attributs » (les clés pour saint Pierre, les instruments de musique pour Cécile, la tour pour Barbe, le gril pour Laurent, la roue pour Catherine d'Alexandrie...), il faut s'enquérir de leurs principaux miracles et explorer leur parcours à la fois terrestre et céleste. L'imaginaire des peintres et des sculpteurs épouse la piété populaire : il a partie liée avec les dorures des légendes, les flamboyances des martyres.
Une sélection de 77 saints représentés dans l'art occidental. Découvrez leur aventure humaine, spirituelle, iconographique. -
Dans son rapport du 11 novembre 2019, l'Organisation mondiale de la santé affirme que l'art est bénéfique pour la santé, tant physique que mentale. Si les philosophes ont les premiers pressenti son impact sur notre existence, leurs thèses sont désormais confirmées par les neurosciences, qui nous révèlent comment l'art sculpte et caresse notre cerveau.
Pierre Lemarquis, accompagné de Boris Cyrulnik, nous invite à partager, à travers son musée imaginaire, son expérience de l'art qui guérit la mémoire.
Dans toutes les cultures du monde, les artistes témoignent du fait que l'art, depuis ses origines, est indissociable de la mémoire : magnifiques manuscrits enluminés du Moyen Âge, fascinants motifs géométriques de l'art islamique, lignes mystérieuses de Nazca au Pérou ; ces liens étroits entre art et mémoire sont aussi connus de Giotto, de Botticelli, de Michel-Ange, sans oublier Vermeer et Dali.
Cet ouvrage se propose d'explorer et d'analyser les pouvoirs de l'art sur notre mémoire : comment nous permet-il d'en prendre soin et de la développer ? Comment nous aide-t-il à mieux apprendre et à penser ?
Les développements récents des neurosciences nous permettent aujourd'hui d'en connaître les mécanismes. Nous savons que grâce à l'interaction avec les oeuvres, grâce aux émotions qu'elles suscitent, notre mémoire va se trouver stimulée et enrichie. Et plus encore lorsque la maladie nous touche, il est désormais certain que l'art soutient et soigne nos mémoires défaillantes.
Et n'est-ce pas là l'une des fonctions essentielles de notre cerveau que de se souvenir, de préserver notre mémoire mais aussi celle de l'humanité ? -
Hokusaï ; le fou de dessin (nouvelle édition 2014)
Henri-alexis Baatsch
- Hazan
- 8 Octobre 2014
- 9782754107839
Hokusaï : La vague bleue couronnée d'écume qui s'élève monstrueuse au large du mont Fuji, le célèbre volcan magnifié et réinventé par l'artiste dans toutes les nuances des points de vue, des saisons et de la peinture, les ponts bizarres, les cascades du Japon, les contorsions, les costumes, les gestes, les respirations des hommes, des femmes, des paysans, des citadins, des guerriers des artisans, les chevaux qui s'élancent, les oiseaux, les insectes, les poissons presque vivants sur le tissu où ils sont peints, les innombrables dessins d'imagination ou les croquis saisis sur le vif de la Manga, ce recueil de faits et de formes vus ou improvisés au fil des jours...
Avec cette oeuvre de plus de 30 000 dessins et peintures, Hokusaï (1760 - 1849) a été l'artiste le plus prolifique, le plus varié et sans conteste le plus créateur de l'ancien Japon. Génie universel pour tout ce qui était dessin et peinture en son temps, il a pratiqué tous les genres de l'ukiyo-e, les « images du monde flottant » comme se plaisaient à dire ses contemporains pour parler de leurs plaisirs et de leur quotidien.
L'ouvrage retrace la carrière de cet enfant d'un district populaire de l'ancien Tokyo qui s'appelait alors Edo, et l'atmosphère si particulière de cette grande ville et de la vie japonaise quand le Japon, fermé aux étrangers, développait en vase clos une culture puissamment originale. Devenu l'un des grands maîtres de l'estampe, le « fou de dessin » comme il s'appelait lui-même, a été redécouvert par les Impressionnistes et par les esthètes de la fin du XIXe siècle. Il est resté depuis l'une des plus grandes et, par sa personnalité, l'une des plus attachantes figures de l'art universel. -
Cet ouvrage est le compte rendu d'une méthode d'étude expérimentale et d'enseignement de la couleur d'un des maîtres du Bauhaus (école d'architecture et d'arts appliqués, fondée en 1919 en Allemagne) et du Black Mountain College (université libre expérimentale, fondée en 1933 aux États-Unis), sur la manière dont les couleurs sont utilisées et perçues dans l'art, l'architecture, le textile, l'architecture intérieure et les supports graphiques. Josef Albers fait la démonstration qu'« avec la couleur, nous ne voyons pas ce que nous voyons, parce que la couleur - le plus relatif des moyens d'expression artistique - offre un nombre incalculable de visages ou d'apparences. Les étudier dans leurs interactions respectives, dans leurs interdépendances, enrichira notre vision, du monde, et de nous-mêmes. » Traduction de l'américain par Claude Gilbert.
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Cette nouvelle édition poche, revue et corrigée, s'enrichie d'une préface émouvante de la petite-fille de Ernst H.Gombrich qui raconte la genèse de ce livre désormais iconique. Aussi audacieux que cela puisse paraître, raconter l'histoire de l'humanité en quelque trois cent pages est le pari fou que s'est lancé Ernst Grombrich, et qu'il a relevé avec brio. Tutoyant ses lecteurs, petits ou grands, et considérant que ceux-ci savent réflechir par eux-mêmes, il leur présente les personnages historiques emblématiques de leur temps et raconte les faits dans leur continuité, comme dans un roman au long cours, avec toujours cette question centrale qui guide son propos : quels épisodes du passé ont eu une influence sur la vie de l'humanité en général et quels sont ceux dont on se souvient le plus ? Un ouvrage formidable pour apprendre l'histoire sans en avoir l'air, comme l'explique si bien Gombrich : j'aimerais que mes lecteurs l'abordent en toute décontraction et suivent le fil de l'histoire sans se sentir tenus de prendre des notes ni de retenir des noms et des dates. Je leur promets aussi qu'il n'y aura pas d'interrogation.
Traduit de l'allemand par Anne Georges. -
L'Égypte des pharaons : De Khéops à Ramsès II
Félix Relats Montserrat
- Hazan
- 13 Mars 2024
- 9782754113274
Des premiers récits de la genèse des dieux, il y a plus de trois mille ans, aux gigantesques chantiers des pyramides, depuis les rives du Nil, fleuve sacré et source de la vie, aux célèbres temples de Louqsor et d'Abou Simbel, véritables centres culturels, spirituels, économiques et politiques, sans oublier les Vallées des rois et des reines, qui abritent les fameux tombeaux de Toutankhamon et de Néfertari, cet ouvrage, catalogue officiel de l'exposition immersive produite par Culturespaces Studio®, nous invite à explorer une civilisation mythique et fascinante.
À travers une riche iconographie provenant des plus grands musées, complétée de notices explicatives, l'Égypte ancienne se révèle dans sa production artistique mais aussi dans sa conception de l'au-delà, organisé grâce à un ensemble complexe de rituels et une multitude de divinités. Intimement liée aux puissants pharaons et aux reines, tels que Khéops et Ramsès II, Hatshepsout, Akhénaton ou encore Néfertiti, dont les noms ont rythmé son histoire, l'Égypte ancienne témoigne ici de l'incroyable pérennité d'une civilisation qui reste encore à découvrir. -
L'intégrale des 36 vues du Mont Fuji, comprenant les dix estampes supplémentaires commandées par l'éditeur d'Hokusai suite au succès de cette série.
« Si seulement les cieux pouvaient m'accorder encore dix ans... Si seulement les cieux pouvaient m'accorder encore cinq ans, je deviendrais un grand artiste. » En formulant ainsi ces voeux à la fin de sa vie, Hokusai (1760-1849), aujourd'hui considéré comme le plus célèbre artiste de son époque, exprime son éternel quête de la perfection.
Au début des années 1830, il entreprend sa suite colorée des Trente-six vues du mont Fuji, et parvient ainsi à l'apogée de sa carrière. Consacrée tout entière au paysage, la série présente le mont Fuji selon une multitude de points de vue et de cadrages. Voyageur infatigable, Hokusai, passionné de nature, explore toutes les facettes du volcan. Parfois solitaire et majestueuse, ou esquissée dans un horizon lointain, en grande spectatrice du monde des hommes, la montagne sacrée est inébranlable malgré les saisons et le temps. Mais elle n'est pas le seul élément d'observation : le peuple, dans toute sa diversité, s'affaire, occupé à toute sorte d'activités quotidiennes, parfois en symbiose avec son environnement, paisible et bienfaisant, ou au contraire, en prise avec une nature souveraine, magnifique et impitoyable, comme pour La Grande Vague de Kanagawa. Il capture dès lors l'instantané, l'éphémère, mais également l'éternel. La nature, quant à elle, demeure et se renouvelle sans cesse sous l'égide de son grand souverain, l'immuable mont Fuji à la cime enneigée. Créatif, Hokusai joue avec la couleur, et notamment avec le bleu de Prusse, pigment artificiel importé de Hollande depuis peu, plus intense et profond que les bleus naturels traditionnellement utilisés. Le maître s'amuse des effets d'atmosphère, de l'anecdotique, et allie la tradition picturale japonaise, largement influencée par le modèle chinois, à la perspective occidentale. Le succès de ces estampes est considérable et popularise le genre du paysage. Dès lors, l'éditeur d'Hokusai lui commande dix nouvelles planches, Le Fuji vu de l'autre côté. C'est donc une intégrale de quarante-six estampes au total qui est reproduite dans ce coffret, accompagné d'un livret explicatif décrivant chacune des estampes de la suite la plus célèbre du grand maître japonais. -
Ce coffret réunit l'essentiel de l'oeuvre d'un artiste hors du commun, Claude Monet (1840-1926), considéré par l'histoire de l'art comme le père de l'impressionnisme. Il présente, à travers un choix chronologique de cinquante tableaux, sa longue et brillante carrière. Bien qu'il n'ait pas négligé les sujets citadins et modernes, la représentation de la nature constitue indéniablement le coeur de son oeuvre. Elle a fait l'objet de ses recherches incessantes, sans que jamais l'artiste ne perde de vue ce qui lui était essentiel : la vérité de ses sensations. De la transcription fidèle du paysage, à ses débuts, jusqu'à l'écriture gestuelle des ultimes Nymphéas, l'ouvrage permet de suivre et de comprendre l'évolution de sa création.
Ainsi seront abordées les thématiques de Monet (les bords de mer, la Seine, les jardins, les saisons, etc.), ainsi que les techniques utilisées, comme la décomposition par la touche de la lumière et des couleurs, le recours à la répétition et aux séries pour mieux rendre compte des variations atmosphériques, ou encore la dissolution progressive des formes qui a conduit à considérer Monet comme un précurseur de l'abstraction. -
Niki de Saint Phalle ; la révolte à l'oeuvre
Catherine Francblin
- Hazan
- 16 Octobre 2013
- 9782754104975
- Initiatrice des tableaux tirs à la carabine, auteur des sculptures monumentales des Nanas et du jardin des tarots, Niki de Saint-Phalle (1930-2002) traverse les avant gardes de la fin du XXème siècle sans s'inféoder à d'autre mot d'ordre que celui d'exprimer généreusement sa vie et son temps dans un féminisme enjoué.
Cette biographie éclaire le dialogue que la femme et la créatrice entretiennent, contribuant ainsi à rétablir l'artiste à sa juste place - l'une des premières - au sein de l'histoire de l'art de la seconde partie du XXème siècle. Première biographie documentée de l'artiste fondée sur les archives familiales.
Entrée sur la scène de l'art armée d'un fusil destiné à « faire saigner la peinture », Niki de Saint Phalle (1930-2002) a créé une oeuvre protéiforme traversée de façon continue par ce qu'elle a vu et vécu. Cette biographie de référence - la première en langue française qui lui est consacrée - éclaire le dialogue que la femme et la créatrice ont constamment entretenu. Elle révèle le parcours hors du commun de cette artiste autodidacte, élevée en Amérique dans une famille de la vieille aristocratie française, et met en évidence la cohérence de son engagement artistique, depuis ses débuts peu connus de peintre, jusqu'aux animaux de l'Arche de Noé, en passant par les Tableaux-tirs, les Autels, les Mariées, les Nanas, les diverses sculptures monumentales, créées ou non avec son compagnon Jean Tinguely, sans oublier les films et les innombrables dessins, pétris de poésie et d'humour, qu'elle a réalisés. Croisant, pour la première fois et de manière systématique, quantités de sources (témoignages, correspondance, journaux, travaux préparatoires, archives sonores et audiovisuelles, notes, manuscrits) recueillies dans plusieurs pays (Amérique, France, Allemagne, Suisse, Belgique, Italie), cet ouvrage a bénéficié de la confiance de la Fondation Niki de Saint Phalle installée en Californie. Il campe une personnalité exceptionnelle par la forme remarquablement joueuse qu'elle a donnée à son féminisme, par l'énergie qu'elle a déployée, notamment pour construire son Jardin des tarots en Toscane, et l'opulence de son oeuvre, conçue en menant vies privée et professionnelle de concert. A travers le portrait de celle qui fut la seule femme du groupe des Nouveaux réalistes (Klein, César, Arman, Villeglé, etc.), cette biographie dessine celui d'une époque dont les révoltes et les audaces fascinent toujours la jeune génération. -
Louvre : coffret l'essentiel
Edouard Bertinot
- Hazan
- Catalogue D'exposition
- 14 Septembre 2022
- 9782754112451
Le louvre, le plus grand musée du monde, abrite une collection de quelque cinq cent mille oeuvres, provenant de tous les continents. Comment résumer un fonds d'une telle richesse ? Comment offrir le souvenir émouvant d'une histoire commencée il y a dix mille ans ? Telle est l'ambition de ce coffret, qui présente une sélection d'une soixantaine de chefs-d'oeuvre déterminants pour l'évolution de l'histoire de l'art et de l'humanité.
De l'Orient à l'Égypte, de la Grèce ancienne à la Rome antique, des arts de l'Islam à la peinture, à la sculpture et aux arts décoratifs, sans oublier le dessin et la gravure, cette sélection témoigne de la diversité des styles, des manières de peindre et de sculpter, et donne pour chaque oeuvre des clés de compréhension.
La forme originale de ce coffret permet de pénétrer au coeur du Louvre : accompagné d'un livret explicatif incluant une introduction générale et des notices détaillées, il contient un livre « en accordéon » tout en images, qui déploie les détails les plus fascinants de ces trésors artistiques, offrant la possibilité de créer son propre musée et d'admirer les plus belles oeuvres du Louvre, musée de l'art universel.
