L'appartement new-yorkais de l'artiste Arleen Schloss a vu se succéder, à partir d'octobre 1979, les expérimentations d'une tribu improbable entre no wave, poésie sonore et arts visuels. Ce sont les Wednesdays at A's, dont le programme hybride et radical emplit chaque semaine, dix-huit mois durant, le loft du 330 Broome Street de concerts, performances, lectures ou expositions, toujours animés par une exigence festive.
Pour annoncer les événements, des dizaines de flyers sont réalisés à la photocopieuse par les artistes invités et les amis. Dessins, collages, détournements, jeux typographiques et annotations manuscrites peuplent ainsi un ensemble bigarré de traces vouées à l'éphémère, quoique déjà quelque peu fétichisées par les protagonistes. Ces flyers racontent au plus près l'aventure des Wednesdays at A's, de façon chronologique, comme ils témoignent des préoccupations d'une période fertile où les corps et les machines se rencontrent, au-delà des genres et des disciplines, dans une ville au bord de la faillite.
Baptiste Brévart et Guillaume Ettlinger ont rencontré Arleen Schloss à New York en 2011. Ils ont entamé ensemble un travail archéologique sur cette mémoire évanescente et ils ont rassemblé un grand nombre de documents exceptionnels et inédits. Avec la précieuse contribution de Pauline Chevalier et Guillaume Loizillon, ils retracent ainsi une histoire parallèle des arts à New York dans les années 1980.
Catalogue de l'exposition «Ex Africa» qui vise à montrer et à faire comprendre les relations qui existent aujourd'hui et depuis la fin du XX? siècle entre les arts contemporains et les arts africains anciens. Il s'agit d'en finir avec la notion de primitivisme telle qu'elle était énoncée en 1984 dans l'exposition «Primitivism» au MoMA et de montrer que les idées et les formes propres à ces arts sont aujourd'hui plus vivantes que jamais.
Greek-born Jannis Kounellis was one of the key artists in the Arte Povera movement, and this book puts his career into context as never before. Following his breakthrough in the late 1960s in Rome, when he questioned the traditionally sterile environment of the gallery by exhibiting live animals within its walls, Kounellis went on to include diverse materials in his work, including fire, earth, gold, wood, and charcoal, quickly establishing himself as one of the most innovative sculptors of our time.
Over the course of his long and successful career, Jannis Kounellis had many books and exhibition catalogues to his name but only a few in English.
This book will be the final, most comprehensive book ever made of his work - Features writings by the artist and a collection of tributes from people who have known and worked with him over the years, including Pierre Audi, David Hammons, Gloria Moure, Giulio Paolini, Vassili Vassilikos, and many others - Timed to coincide with a posthumous exhibition at Gavin Brown's Enterprise, New York, and a retrospective at Tate Modern, London
Le Street art relève-t-il de l'art contemporain ou est-il un phénomène à part ? Difficilement classable depuis son origine, l'art urbain a, en tout état de cause, acquis une place majeure dans l'histoire récente de la création.
Aujourd'hui, ce mouvement artistique entre au musée. Un événement qui pourrait sembler normal pour certains, étonnant, voire choquant pour d'autres, et qui représente surtout une véritable victoire. Hier encore, les interventions dans la rue des taggeurs et graffeurs étaient considérées comme du vandalisme et les relations entre les autorités et les « writers », comparées à celles du chat et de la souris. Désormais, nombreuses sont les villes qui passent commande à ces mêmes artistes pour la réalisation de fresques monumentales. Conquête urbaine témoigne de cette évolution d'un art illicite et contestataire vers une pratique non seulement acceptée mais même sollicitée par les acteurs publics.
Banksy, JonOne, MadC, Shepard Fairey, Speedy Graphito, Alëxone... À travers une soixantaine d'oeuvres de Street art, des créations d'artistes précurseurs des années soixante à aujourd'hui, l'ouvrage retrace les origines et l'évolution de ce mouve- ment et en dévoile les caractéristiques fondamentales.
Dans son atelier parisien, loin de la lumière des rives méditerranéennes, Joseph Dadoune a écrit une nouvelle page de sa pratique artistique. Une page blanche, serait-on tenté de dire, tant le blanc occupe, dans les oeuvres de sa nouvelle série intitulée Whitescreen, une place majeure, sans précédent dans son travail. Après le noir, le jaune, les couleurs intenses, voici l'irruption du blanc. De son éclat, de sa puissance, de ses nuances, de son opacité, de son caractère aveuglant aussi. on serait tenté de dire qu'il s'agit, pour Joseph Dadoune, de faire écran. Après Barriere protectrice, Sillons, puis Fresh Light, voici Blancs, des parti-pris picturaux accompagnés par les excellents graphistes Baldinger-Vu-Huu.
Le génie était d'hier, il est aussi d'aujourd'hui. Le grand photographe LOUIS MONIER suit depuis cinquante ans à la trace les plus grands créateurs de notre époque. lui qu'on surnomme le "Pickpocket" de l'âme n'a jamais cessé de saisir les expressions des plus grands artistes et créateurs de notre époque. Il est riche d'un patrimoine d'un million de négatifs attrapant au vol les plus grandes figures de nos cinquante dernières années.
Ce livre nous raconte les plus grands créateurs de notre temps, les grands évènements culturels qui émaillent le demi-siècle et dont ils sont les acteurs principaux, les lieux qu'ils ont aimés, qui les ont inspirés. En 50 ans, Louis Monier a réalisé des portraits uniques de ces personnages qui font la vraie gloire de notre temps : Samuel Beckett, Louis Aragon, André Malraux, Marguerite Yourcenar, Nina Berberova, Romain Gary, Marguerite Duras, Dino Buzatti, Michel Tournier, Robert Pinget, Louis Calaferte...Le portrait mythique des trois Roumains : Cioran Eliade Ionesco.
Ce livre nous propose une radioscopie de notre temps à travers ceux qui l'ont fait. Olivier Bosc accompagne cette merveilleuse galerie de photos d'un texte percutant et évocateur qui nous montre à quel point ces personnages sont fondateurs pour aujourd'hui.
Sarah Lucas emerged in the early 1990s as part of the Young British Artists generation, gaining notoriety for her bawdy and irreverent sculptures.
Often utilizing found objects, Lucas provokes viewers with works that challenge our notions of sex, gender, and the human body. Featuring eight essays and an interview with the artist, this volume reveals the breadth and complexity of Lucas's work in collage, photography, and sculpture over the past three decades.
Lucas is one of the most important living British artists, having emerged along with artists including Damien Hirst and Angus Fairhurst in the early 1990s - She represented Britain at the 56th Venice Biennale in 2015 and has had solo exhibitions at Tate Modern, Whitechapel Gallery, and the Legion of Honor, San Francisco, among others - The book accompanies a major survey exhibition at the New Museum, New York, her largest solo exhibition to date, opening October 2018 - High-profile international art historians, critics, and artists contribute essays offering new perspectives on Lucas's work and contextualizing her work within contemporary art and sculpture - Lucas is represented by Sadie Coles HQ, London, and Gladstone Gallery, New York
Avec plus de 500 expositions depuis sa création en 1966, la galerie Daniel Templon est l'un des acteurs phares de la scène artistique contemporaine internationale.
Dans une somme de 950 pages, la galerie propose un parcours rétrospectif sur ses expositions à travers les images, les écrits et les articles de l'époque.
L'histoire de la galerie Templon reflète et anticipe le développement du marché de l'art et l'engouement actuel pour l'art contemporain.
Abstraction, Nouveau Réalisme, Pop art, Minimalisme, Art conceptuel, Support-Surface, Transavant-garde italienne, Néo-expressionnisme, Nouvelle figuration américaine., la galerie a su pressentir ou accompagner l'émergence de nouveaux courants et de nouveaux artistes aujourd'hui reconnus.
La galerie Daniel Templon a par exemple été la première à exposer en France Michel Journiac, Martin Barré, Christian Boltanski, Ben, Joseph Kosuth, Art Language, Donald Judd, Andy Warhol, Willem de Kooning, Jim Dine, Richard Serra, Helmut Newton, Jörg Immendorff, Jean-Michel Basquiat, Francesco Clemente, Robert Longo, Jake and Dinos Chapman, Jonathan Meese, Julian Schnabel, Eric Fischl, Iván Navarro, Kehinde Wiley ou Jitish Kallat.
Ellsworth Kelly, Frank Stella, Roy Lichtenstein et Robert Rauschenberg, César, Arman, Claude Viallat, Gérard Garouste, Chiharu Shiota., quelque 300 artistes se sont installés entre les murs de la galerie.
Le livre des 50 ans prend un parti documentaire qui en fait un ouvrage de référence : 1 300 photos des expositions et des oeuvres sont mises en regard des textes critiques parus à l'époque.
Ce parti-pris permet de mesurer l'évolution de notre regard sur l'art contemporain depuis un demi-siècle et fait de l'ouvrage le livre le plus authentique et le plus complet paru sur un demi-siècle d'art contemporain.
La rétrospective des expositions est précédée d'un texte de Germano Celant, historien et théoricien de l'arte povera, critique et curateur, actuel directeur artistique de la Fondation Prada à Milan et ami de longue date de Daniel Templon.
« VARIA », autrement dit, « varié », « divers ».
Varia , parce que les oeuvres présentées le sont, bien sûr, mais aussi parce que l'exposition elle-même incarne un pas de côté dans un univers artistique différent de celui habituellement montré par la galerie Laurent Strouk : Pop art, Figuration narrative, Figuration libre et Nouveau réalisme.
Avec des oeuvres de Davide Balula, Brian Calvin, Radu Cioca, David Malek, Mathieu Mercier, Olivier Mosset, Kaz Oshiro, Virginia Overton, Bruno Peinado, Adam Pendleton, Gérald Petit, Sylvain Rousseau, Chris Succo, Vincent Szarek, Blair Thurman, Morgane Tschiember, Ida Tursic & Wilfried Mille, Sebastian Wickeroth et Peter Zimmermann.
76 pages dans lesquelles la fi guration côtoie l'abstraction, la couleur répond aux monochromes, la peinture s'invite auprès de la sculpture, la poésie dialogue avec la géométrie... 76 pages qui dressent un panorama de la scène artistique, française et internationale, contemporaine, dans toute sa richesse et sa diversité.
Un beau livre qui retrace les trente ans du Centre culturel suisse de Paris et qui éclaire l'actualité de ce lieu désormais incontournable de la culture contem- poraine. Avec un focus sur 30 artistes suisses ayant marqué l'histoire du CCS et celle de leur propre dis- cipline, au cours des trois dernières décennies.
Arts vivants, cinéma, jazz, littérature, art contem- porain, performance, chorégraphie, photographie, rock-pop, théâtre.
Le Centre culturel suisse de Paris n'est pas une de ces institutions-vitrines aux ordres d'un ministère, et c'est bien son indépendance de ton et de program- mation qui en a fait un lieu incontournable, entre autres, pour l'art contemporain et les arts de la scène.
Le CCS fête ses trente ans : une occasion de retra- cer, à travers les 400 pages d'un livre richement illus- tré, son histoire, ses coups d'éclats, ses moments de grâce.
Mais au-delà du passé, ce livre offre également une mise en lumière de 30 artistes suisses dont le par- cours est lié, d'une façon ou d'une autre, au centre de la rue des Francs-Bourgeois, parmi lesquels : les plasticiens Fischli & Weiss, l'écrivain-voyageur Nico- las Bouvier, le photographe Robert Frank, l'artiste iconoclaste Thomas Hirschhorn, la surréaliste Meret Oppenheim, la chorégraphe Cindy Van Acker, le metteur en scène Christophe Marthaler ou encore le batteur et compositeur Daniel Humair. Chacun de ses trente portraits se compose d'un texte (dont la rédaction a été confiée à un spécialiste de l'oeuvre, à un écrivain, à un ami - citons parmi les contribu- teurs : Olivier Cadiot, Frédéric Pajak, Mathieu Ber- tholet, Arnaud Robert, Bruno Tackels, Francis Mar- mande et Emmanuelle Lequeux) et d'un reportage photographique par Ludovic Balland et Mathilde Agius, Sous la direction de Jean-Paul Felley et Olivier Kae- ser, actuels codirecteurs du CSS.
Avec la participation de deux anciens directeurs :
Daniel Jeannet et Werner Düggelin.
Os-Angeles-based artist Paul McCarthy (b.1945) creates Disneyesque installations, sculptures of animal/vegetable/human hybrids and slapstick performances in a purge of a national subconscious. The psycho-sexual desires and anxieties induced by the media and the built environment of contemporary America emerge in his collisions of plastic prosthetic limbs and condiments that stand in for bodily fluids.
These works have been variously deployed: through live actions, often documented on video, and more recently in outsized figures and artificial rural environments, combined in overtly sexual ways. McCarthy's work echoes that of European artists such as Joseph Beuys or the Viennese Aktionistes, but gives 'action art' a postmodern twist. This is the first comprehensive survey of over twenty years of work by a profoundly influential artist whose work is in the collections of the world's most important museums.
New York-based artist Sarah Sze creates intricate site-specifie works that exist at the intersection of sculpture, painting and architecture.
Often relying on the careful organjzation of small, mundane objects, Sze's environmental installations challenge the perception like a three-dimensional Magic Eye book.
Invited to represent the USA at the Venice Biennale in 2013, this is the first comprehensive review of Sze's twenty years of work.
The latest title in Phaidon's acclaimed Contemporary Artists series, this richlyillustrated book features contributions by authoritative figures such as Okwui Enwezor, Benjamin H. D. Buchloh and Laura Hoptman.
Benjamin H. D. Buchloh is Professor of Modern Art in the Department of History of Art and Architecture at Harvard University and an editor of October magazine. He divides his time between New York and Cambridge, Massachusetts.
Okwui Enwezor is a curator, art critic, editor and writer. Since 2011 he has been the Director of the Haus der Kunst in Munich. In 2015 he directed the 56th Venice Biennale.
Laura Hoptman is a curator in the Department of Painting and Sculpture at The Museum of Modern Art in New York.
Sarah Sze is represented by Victoria Miro in London and Tanya Bonakdar in New York.
Essentiellement multiforme, l'art contemporain est indéfinissable tant les possibilités qu'il offre sont infinies. Ce beau livre, écrit par deux spécialistes du sujet, présente 200 artistes emblématiques qui, de l'après-guerre à nos jours, font l'actualité de la scène artistique mondiale, de Francis Bacon à Jeff Koons, en passant par Lucian Freud, Louise Bourgeois ou Jean-Michel Basquiat.
Agrémenté de très nombreuses illustrations - au total plus de 1 000 oeuvres sont représentées -, cet ouvrage de référence vous donnera également des clés pour appréhender les différents mouvements et pour comprendre leur influence.
Retour sur Mulholland Drive prend comme matière première et réservoir de motifs le film culte du réalisateur américain David Lynch, pour révéler une tendance émergente de l'art contemporain : le « minimalisme fantastique ». Il existe en effet une « inquiétante étrangeté » qui émane de l'ensemble des oeuvres réunies ; une atmosphère angoissante ou féérique surgit de formes minimalistes qui explorent le potentiel énigmatique de ce qui peut apparaître à première vue comme lisse et dérisoire. Le catalogue de l'exposition propose de parcourir cet univers et de le compléter par des textes inédits, ou réédités ici pour proposer des lectures variées, des clés multiples pour ouvrir plus largement les possibles de la boîte bleue.
American artist Sharon Hayes (b. 1970) uses photography, film, video, sound, performance, and text to interrogate the intersections between the personal and collective sphere.
Her deeply affective and queer approach to history and politics draws particular attention to the language of twentieth-century activism as well as theatre, anthropology, and journalism.
This book will be the first to feature all of Hayes's most significant projects, from the ten-hour performance My Fellow American 1981-1988 to her monument addressing the absence of monuments to women in Philadelphia.
Hayes' work has been at the forefront of questions of feminist history, queer time and protest culture for over a decade - Her re-examination of protest, speech, and history is one of the most powerful reflections of the complexity and the urgency of our times - A Professor of Fine Art at the Pennsylvania University, Hayes's work has been shown at the 2010 Whitney Biennial, Documenta 12 in Kassel, and the 55th Venice Biennale, as well as in the most prestigious museums around the world - Hayes was the recipient of the 2015 Alpert Awards in the Arts in the category of 'risk-taking' artist - This is the first sustained examination of Hayes's work
Shaping Cities in an Urban Age is the third and final addition to Phaidon's hugely successful Endless City series, published in collaboration with the London School of Economics.
Generously illustrated with photographs, visual data, and statistics, and featuring a series of essays written by leading people in their fields, Shaping Cities addresses our most urgent contemporary and future urban issues by examining a set of key forces that have combined to create the city as we know it today.
Completes Phaidon's Endless City series, with the same mix of smart writing, evocative photographs and incisive data as its predecessors - With contributions from educators, authors, architects and city officials, including Deyan Sudjic, Saskia Sassen, Jo da Silva, and Richard Sennett - Underscores the importance of architecture and urban planning in securing the future of our cities - Addresses vital themes, from social inclusion to climate change, looking at the problems that face contemporary cities and giving actionable solutions - The go-to resource for urban professionals in the field, as well as those interested in urban issues - Based on the Urban Age conferences, held by LSE since 2005
Lateral Thinking assesses the artistic achievements of the 1990s, concentrating on work by 40 contemporary artists from North, South, and Central America, Cuba, Africa, China and Europe. These include Matthew Barney, Vanessa Beecroft, Roman de Salvo, Zhang Huan, William Kentridge, Byron Kim, Jean Lowe, Vik Muniz and Cindy Sherman. A number of pervasive themes recur throughout: the body, the construction of identity (gender, personal, social, or ethnic), the role of the artist and the "everyday."
Published on the occasion of the Contemporary Arts Museum Houston's 65th anniversary, Outside the Lines documents the conceptual framework of the institution's ability to act and think outside the norm. This publication, originally conceived as an ongoing curatorial dialogue, features six exhibitions on abstract painting, focusing on the legacies and contemporary manifestations of the genre. With text and analysis by museum director Bill Arning, curator Dean Daderko and senior curator Valerie Cassel Oliver, Outside the Lines details, in three sections, Arning's UIA (Unlikely Iterations of the Abstract) and Painting: A Love Story; Daderko's Outside the Lines and Rites of Spring; as well as Cassel Oliver's Black in the Abstract: Epistrophy and Black in the Abstract: Hard Edges/Soft Curves. Each section includes texts and images for the exhibitions featured, as well as information on over 90 artists whose works are highlighted.
A poignant, new artistic enquiry. Vertigo: Au Rendez-Vous des Amis presents the works of three extraordinary contemporary Italian artists, Francesco Candeloro, Riccardo De Marchi, and Arcangelo Sassolino. In this meeting of friends, arising out of the proposal to unite their apparently different approaches, lurk some marvelous snares for the senses.
The book has been organized in a refined and unexpected manner so that each artist presents his works in a personal room, but subtly creates a sort of synesthesia, a relationship with the works of his neighbor, his friend, as if to shape cross-references and tensions that demand from the viewer an increase in attention, one that is subtle but necessary.
In a "post-Latin American" age, Latin American art has taken a postmodern tack, mindful of borders and identity politics but not determined by them. Many of the 42 artists featured here, including Francis Als, Felix Gonzalez-Torres, Daniel J. Martinez, Alfredo Jaar, Vik Muniz, Damin Ortega and Gabriel Orozco, infuse their work with social commentary from local and global perspectives, exploring and parodying cultural locations and identities even as they uphold and transgress them. All of them share an interest--beyond those borders--in revitalizing existing artistic language and forms. TRANSactions highlights artists who work across media and between disciplines, reveals connections and encounters between artists in the United States and in Latin America and celebrates the heterogeneous nature of contemporary Latin American and Latino art, dismantling preconceptions and promoting new interpretations.
A Fiction of Authenticity presents seminal moments for challenging prevailing notions about interculturalism and postcolonial subjects. This full-color catalogue features specially commissioned work by 11 contemporary artists of African descent--each of whom lives and works in either the United States or Europe and examines the invented idea of an "authentic" Africa. Each of these artists has positioned themselves outside the frame of Africa, but each remains connected, and by doing so has created a shift in the way the world considers postmodern and postcolonial art production. The participating artists are Siemon Allen, Fatma Charfi, Godfried Donkor, Mary Evans, Meschac Gaba, Kendell Geers, Moshekwa Langa, Ingrid Mwangi, Odili Donald Odita, Owusu-Ankomah and Zineb Sedira. Also included are seven new essays by some of the most exciting and critical voices working internationally today. A Fiction of Authenticity considers the diasporic positioning of these artists, as well as paradigms of discourse concerned with aesthetics, nationhood, citizenship, community, locality and sense of place.
The ultimate guide to 25 years of contemporary art, as seen through the filter of the world's leading contemporary art magazine frieze A to Z of Contemporary Art charts the dynamic, changing landscape of the contemporary art and culture of the past quarter century. Drawing on frieze magazine's exceptional back catalogue of articles, this book brings together a curated collection of over fifty engaging highlights. It features artist interviews; essays on subjects as varied as museums, photography, pre-historic art and television; and think pieces on broader cultural topics, such as fame, gentrification, nostalgia, and style. The book's content - selected from throughout the magazine's history - offers a guide to this dynamic era of visual culture, revealing the increasing internationalism, popularity, and market dominance of contemporary art.
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